Tamino Klassikforum

Seit langer Zeit bin ich mal wieder hier, und die Gräber und Ehrenplätze sind immer noch ein Ruhmesblatt dieses Forums. Neben den Fotos gibt es immer wieder ausführliche Texte. Da werde ich mir demnächst eine ruhige Stunde suchen und alles bedächtig lesen. Danke, lieber hart!
Eine Kleinigkeit, die nicht einmal korrigiert werden muss: August Bungert wurde in Mülheim an der Ruhr geboren; wir Mülheimer brauchen für unsere Stadt nur ein-h-!

Wo liegt denn Ölbronn-Dürrn? Das ist eine Frage die sich wohl viele Menschen stellen, falls sie nicht schon einmal dort waren oder in unmittelbarer Umgebung wohnen - zur Kreisstadt Pforzheim sind es 12 Kilometer, Stuttgart ist etwa 60 Kilometer entfernt.
Ist man dann als Musikinteressierter erst einmal auf der Dürrner Straße in den Ort gekommen, fällt auf, dass es hier einen Gottlob-Frick-Weg gibt. Folgt man der Dürrner Straße weiter, kommt man direkt zum Rathaus Ölbronn, wo sich die Gottlob-Frick-Gedächtnisstätte befindet.




Schild am seitlichen Rathaus-Eingang

Gottlob Frick, der weltbekannte schwarze Bass, eine heute praktisch ausgestorbene Spezis, kam in Ölbronn, einem Ort, der damals noch nicht mit dem Nachbarort Dürrn verbunden war, am 28. Juli 1906 zur Welt. Diese Welt war für den jungen Gottlob überschaubar; dass er einmal die ganze Welt sehen würde, eher unwahrscheinlich. Gottlob Fricks Vater war Gemeindewaldschütz und Jagdführer, eine sicher wichtige Tätigkeit, aber man konnte dadurch nicht reich werden; der einzige Reichtum der Familie waren die Kinder, es waren deren 13, von denen jedoch, wie damals üblich, nicht alle überlebten. Dass der jüngste der Familie 1934 als Daland auf der Bühne des Coburger Theaters stehen würde, war 1906 mehr als unwahrscheinlich.
In der bäuerlichen Umgebung wurde zwar, weil man YouTube und ähnliche Medien nicht kannte, viel und kräftig gesungen, aber dass man vom Singen leben könnte, glaubte hier niemand. Gottlob konnte zwar bei einem Auftritt zur Konfirmation einmal acht Mark Honorar einstreichen, die er damals durchaus als »Spitzengage« empfand, aber das war eine einmalige Sache.
Musikmachen war in der Bevölkerung weit verbreitet und an Gesangvereinen bestand kein Mangel, und an Mitgliedern auch nicht. Praktisch überall war es üblich, dass sich aus den besten Stimmen Quartette bildeten. Beim Liederkranz Ölbronn war das nicht anders, dass Gottlob Frick dazu gehörte war keine Frage. Der Stimmbruch war für den Heranwachsenden kein Problem, singen konnte er immer. In einem solchen Gesangsquartett wurde also auf gehobenem Niveau gesungen, die Herren waren auf Volksfesten, Hochzeiten und ähnlichen Gelegenheiten zu hören.

Drei der Frick-Brüder waren im Ersten Weltkrieg Soldaten geworden; einer kam nicht mehr zurück, einer starb später an den Kriegsfolgen. Der dritte Bruder, Karl, kam 1918 gesund zurück und hatte einige Musikinstrumente einer aufgelösten Militärkapelle mitgebracht, womit er die Familie versorgte. Man - das waren sechs Brüder von Karl, wobei Gottlob der jüngste war - beschloss nun eine Blaskapelle zu gründen. Damit das Ganze auch ordentlich zum Klingen gebracht werden konnte, versicherte man sich der Hilfe des Oberlehrers Österle, der es zuwege brachte, dass diese Neugründung als Tanz- und Unterhaltungskapelle Furore machte.
Vermutlich war der musikalische Erfolg größer als der wirtschaftliche Gewinn; erste inflationäre Entwicklungen warfen ihre Schatten, als der Bruder Christian 1923 starb, hörte man auf.

Als Gottlob Frick die Volksschule abgeschlossen hatte, fasste er eine Ausbildung als Techniker ins Auge und besuchte die Gewerbeschule im etwa 10 Kilometer entfernten Bretten. Mit 17 begann er eine Ausbildung zum Mechaniker in Mühlacker, einem Ort, der die gleiche Wegzeit beanspruchte, aber in der entgegengesetzten Richtung lag.
Neben dem Beruf begleitete er seinen Vater in den Wald, im Wald wurde gejagt, und nach erfolgreicher Jagd gefeiert. Der Jagdpächter hatte honorige Herren zur Jagd geladen und Vater Frick lud als umsichtiger Jagdführer das Quartett des Ölbronner Liederkranzes ein.
Das Quartett war gut, die Stimmung auch, die Darbietungen fanden den Beifall der Jagdgesellschaft. Einer der Gäste hörte besonders interessiert zu, ein Regierungsrat Dr. Paul, der, wenn er nicht jagte, Verwaltungschef der Stuttgarter Staatsoper war. Diesem Herrn waren Klagen seines Chorleiters bekannt, der dringend tiefe Bässe brauchte. Das schien zu passen, der junge Mann aus Ölbronn wurde zum Vorsingen nach Stuttgart gebeten. Gottlob Frick wollte da eine gute Figur machen und studierte mit seinem alten Lehrer Österle »O Isis und Osiris« ein; damit hatte sich der junge Herr Frick, er war gerade mal zwanzig, einen Vertrag als Eleve im Stuttgarter Opernchor ersungen. Am 15. Februar 1927 stand er erstmals auf der Bühne des Staatstheaters. Die Stuttgarter Anfänge waren kein Honiglecken, aber seine Eltern ließen ihm im Rahmen ihrer Möglichkeiten etwas zukommen, aber oft war das Budget doch sehr eng. Als hätten´s die Dörfler zu Hause geahnt, denn sie meinten auf gut schwäbisch, wenn er mal zu Besuch kam: »Mr ka doch net vom Singe lebe!« Nun, ab und an wirkte er beim feinen und renommierten Stuttgarter Liederkranz mit, wo es manchmal etwas an Zuwendung materieller Art gab.

Viele in seiner musikalischen Umgebung - die waren ja alle sachverständig - bemerkten, dass in der Stimme Potenzial steckt. In zunehmendem Maße redete man ihm zu, dass er eine Solistentätigkeit anstreben sollte. Und er nahm die Sache in Angriff; zunächst bei Fritz Windgassen (also nicht bei dessen Sohn Wolfgang), wo Frick als Gast an den Unterrichtsstunden teilnahm. Aber Fricks Gesangslehrer, die ihn echt weiter brachten, waren der Bariton Julius Neudörffer-Opitz und der Bassist Hermann Horner.

Im Stuttgarter Opernbetrieb tat sich Entscheidendes, das zwar auch mit Singen zu tun hatte, aber andererseits sehr privat war. Margarete Bayen, eine Sängerin aus dem Rheinland, kam von der Oper Düsseldorf und stammte aus einem sehr kultivierten Elternhaus. Als Fräulein Bayen in Stuttgart erschien, war sie nicht nur Chorsängerin, sondern wurde auch schon in kleineren Rollen als Solistin eingesetzt.
Das gemeinsame Singen in Stuttgart hatte auch Einfluss auf das Privatleben. Am 28. Juli 1929, es war am Geburtstag des Bräutigams, wurde in der Dorfkirche zu Ölbronn geheiratet, aus Fräulein Bayen war Frau Frick geworden. Von Margarete Frick sind einige wenige Kunstlieder erhalten, aber mit dem Aufstieg ihres Mannes ließ sie ihre eigene Gesangskariere ausklingen.
Für Eingeweihte ist klar, dass Margarete Frick ihren Partner nicht nur in seinen Anfängerjahren monetär unterstützte, sondern ihm auch stets künstlerisch beratend zur Seite stand. Ihre Ehe hatte mehr als 65 Jahre Bestand.

1930 verpflichtete Siegfried Wagner den Herrn Frick nach Bayreuth, nicht als Wotan, sondern als Chorsänger. In Stuttgart gab´s die ersten kleinen Rollen für ihn und das hätte sich so über die Jahre hinziehen können. Als das Coburger Theater im Mitteilungsblatt für Bühnenangehörige einen 1. Bassisten suchte, hielt sich Frick für geeignet, sang vor und wurde sofort engagiert. Ein junger Sänger hatte in den damaligen Verhältnissen viel zu tun, weil viel mehr Stücke gezeigt wurden, als das heute üblich ist, es gab Neuinszenierungen am laufenden Band. Aber dem Anfänger Frick eröffneten sich auch Chancen gleich an große Rollen zu kommen; oben wurde bereits erwähnt, dass er als Daland auf der Bühne stand, es war Fricks Debüt am Landestheater Coburg. Es folgten Pogner, Fafner, Hunding und auch größere Rollen außerhalb des Wagner-Fachs. Der Intendant hatte recht bald bemerkt, dass man diesem jungen Mann das alles anvertrauen kann und wenn Frick in seiner Galauniform als Fürst Gremin »Ein jeder kennt die Lieb auf Erden« sang, war ihm Beifall sicher, den man sogar als frenetisch bezeichnen kann.

Schon in der nächsten Spielzeit setzte man in Coburg »Parsifal« auf den Spielplan, und natürlich sollte Frick den Gurnemanz singen, wer denn sonst? Zar Ferdinand, der sich für sein Coburger Theater sehr engagierte, tat auf seine Weise etwas zum Gelingen der Vorstellung, indem er Gottlob Frick seinen Rolls-Royce nebst Fahrer zur Verfügung stellte, damit sich Frick direkt an der Quelle in Bayreuth Anregungen zur Gestaltung dieser Rolle holen konnte - in der von Frick besuchten Aufführung gab der Norweger Ivar Andresen den Gurnemanz; Andresen war zehn Jahre älter als Frick, und das darf man wörtlich nehmen, denn beide Sänger hatten am gleichen Tag Geburtstag. Noch heute lässt sich bei YouTube nachhören, dass ihre Stimmen auch nahe beieinander lagen. Man darf vermuten, dass die Fahrt nach Bayreuth ein Erfolg war, denn nach dem Coburger »Parsifal« schrieb die Zeitung über Frick:

»Sein machtvoller Bass erwies sich als besonders für die große Wagneroper geschaffen. In gleicher Weise wie als Pogner imponierte er in "Parsifal" als Gurnemanz. Mehr und mehr zeigte sich, wie sehr der Künstler an Reife gewonnen hat.«

Nachdem er zwei Jahre in Coburg gesungen hatte, wechselte Frick nach Freiburg, wo er ebenso wie vordem schon, ein breitgefächertes Repertoire sang und auch beim Publikum gut ankam. Aber ein in der Theaterwelt bedeutenderes Haus lockte, das Theater in Königsberg, wo er auf Kollegen traf, die sich in der Opernwelt schon einen Namen ersungen hatten. Als Frick in Königsberg den Daland sang, gastierte der aus Hamburg kommende Bariton Carl Kronenberg, der den Holländer sang.
Der erfahrene Kollege gab Frick einige wertvolle Tipps zum weiteren Ausbau seiner sängerischen Möglichkeiten. Als Frick in Königsberg verabschiedet wurde, lobte man, dass der Sänger sowohl das Komische als auch das Seriöse Fach souverän beherrscht habe.
Als an der Staatsoper Dresden Kurt Böhme einen Abend absagen musste, sprang Frick als Rocco kurzfristig ein und rettete den Abend. Natürlich hatte es in Dresden stimmkundige Leute, man lud Gottlob Frick zu drei Gastspielen ein. Karl Böhm hatte Frick in »Tobias Wunderlich«, einer Oper von Josef Haas, in Königsberg gehört. Zu den drei vorgesehenen Gastspielen kam es nicht, sein König Heinrich im »Lohengrin« hatte ausgereicht, man war sich in Dresden recht schnell darüber klar geworden, dass man diesen Sänger sofort festhalten muss; im November 1940 wurde der Vertrag unterschrieben, Frick war auf einem ersten Gipfel angekommen, ein Jahr später wurde er zum sächsischen Kammersänger ernannt.
Beinahe hätte man ihn Ende 1943 auch noch zum Funker ernannt, denn er wurde zum Militär eingezogen. Aber ein hoher Offizier und Theatergänger hatte den Bassisten erkannt und Frick konnte sich im Rahmen der Verwundeten-Betreuung künstlerisch betätigen. Im Februar 1945 erlebte er die grausame Bombennacht in Dresden, aber die Fricks hatten Glück, weil sie relativ abseits der Innenstadt, in Blasewitz, wohnten.
Im Mai 1945 kamen russische Soldaten in die Stadt, Frick sang im Offizierskasino Mussorgskis »Flohlied« - als Honorar gab´s Kohlen für den Winter. Schon im September des Jahres sang er in einer konzertanten Aufführung den Rocco. Mit dem Dresdner Ensemble gastierte Frick nun auch im osteuropäischen Ausland. Insgesamt zehn Jahre blieb Frick der Dresdner Oper verbunden.

Gottlob Frick orientierte sich nun in Richtung Westen; es gab Gespräche mit Wien, aber er nahm die Angebote der Städtischen Oper Berlin und der Staatsoper Hamburg an.
Rudolf Bing, der seit 1949 die Metropolitan Opera in New York leitete, ließ europäische Sänger suchen; auch Gottlob Frick stand auf der Wunschliste, aber politische Verhältnisse verhinderten einen vorliegenden Vertrag von 1950 zu erfüllen. So kam dann Frick mit einiger Verzögerung erst 1961 an die »Met«. Frick war in Europa eine bekannte Sängerpersönlichkeit geworden, was schon alleine an seinen Auftritten an der Wiener Staatsoper abzulesen ist. Sein erster Auftritt ist mit dem 4. März 1951 als Rocco in »Fidelio« dokumentiert; seine letzte Vorstellung an der WSO ist mit dem 4. Juni 1974 eingetragen, wo Frick unter Dohnányi den Gurnemanz singt, als Amfortas wirkt Siegmund Nimsgern.
In Wien sang Gottlob Frick über Jahre hinweg in 24 Vorstellungen den Komtur, einmal findet man seinen Namen sogar als Verantwortlichen für die Inszenierung, das war die Vorstellung am 14. April 1964. Insgesamt kommt Gottlob Frick an diesem renommierten Haus auf 386 Opernvorstellungen, davon singt er 61 Mal den Serastro.

Es wäre nun müßig, und wohl kaum möglich, in ähnlicher Weise seine Tätigkeit an anderen bedeutenden Häusern im In- und Ausland darzustellen, festzuhalten ist, dass er sich in München und Wien besonders wohl fühlte. Natürlich wirkte er bei den Salzburger Festspielen mit, selbstverständlich auch in Bayreuth, erstmals 1957 als Pogner und dann 1960 bis 1964 in verschiedenen Rollen.
Im Laufe seines langen Lebens wurde er mit Ehrungen und Auszeichnungen überhäuft, war mehrfacher Kammersänger und blieb doch, trotz weltweiter Tätigkeit, immer seiner Heimat verbunden; in den Theaterferien war er oft zuhause anzutreffen. Den Erlös eines Konzerts stiftete er für die Kirchenglocken seiner Heimatgemeinde. 1961 gab er seinen Wohnsitz in München auf und ließ sich in Ölbronn direkt am Wald sein Jägerhaus »Waldfrieden« bauen. Auch Fritz Wunderlich kam nach Ölbronn und sorgte höchstpersönlich für das Gelingen eines Spießbratens. Gottlob Frick war Wunderlichs väterlicher Freund, die beiden waren leidenschaftliche Jäger, der Altersunterschied betrug 24 Jahre, dass der Ältere noch singen würde, wenn der Jüngere längst tot ist, ahnte damals niemand.
Gottlob Frick kannte zwar die ganze Welt, war aber bodenständig und heimatverbunden, vielleicht gerade deshalb, weil er so weit herum kam, liebte er seine Heimat. Bei heimatnahen Veranstaltungen trat Frick auch oft mit Ruth Margret Pütz auf.
Diese Heimatverbundenheit hatte Margarethe Frick, als Rheinländerin, nicht, aber die Fricks hatten neben dem Haus »Waldfrieden« noch eine Wohnung im exklusiveren Baden-Baden, nur eine dreiviertel Autostunde von Ölbronn entfernt. Während Gottlob Frick auf Tonaufnahmen, auch durch die lange währende Karriere bedingt, sehr häufig vertreten ist, sind von seiner Frau nur wenige Kunstlieder auf einer Schallplatte festgehalten.
Auch Gottlob Frick musste dem Alter Tribut zollen, Spaziergänge hatten die Jagdereignisse ersetzt. Am 18. August 1994 starb Gottlob Frick im Alter von 88 Jahren. Eine große Trauergemeinde begleitete ihn zum Friedhof in Ölbronn - sein Grab ist im Thread »Der Musiker Gräber« im Beitrag Nr. 42 zu sehen.

Schon unmittelbar nach der Trauerfeier war sich ein »harter Kern« von Frick-Gefährten und Bewunderern darüber einig, dass diese Künstlerpersönlichkeit nicht der Vergessenheit anheim fallen darf. Man beschloss an seinem Geburtsort eine Gedenkstätte einzurichten, die dann bereits 1997 in einem Festakt eröffnet werden konnte. An diesem Festakt nahmen auch ehemalige Kolleginnen und Kollegen Fricks teil.
Diese Gedenkstätte präsentiert sehr viele Fotos in unterschiedlichen Formaten, Vitrinen mit einer Menge an Auszeichnungen, die dem Sänger verliehen wurden, originale Bühnenkostüme und natürlich eine breite Auswahl an besungenen Tonträgern, sowie die Aufzeichnung von zu Zeiten Fricks populären Fernsehsendungen.

Spiritus Rector des Ganzen ist Hans A. Hey, der im Vorder- und Hintergrund die Fäden zieht und das Ganze am Laufen hält, im Tamino Klassikforum firmiert Hey unter dem Pseudonym »Operus«. Naturgemäß ist ein Museum dieser Art eine mehr oder weniger tote Sache, aber in den kleinen, schmucken Fachwerkort von nur knapp zweitausend Einwohnern kommt mindestens einmal im Jahr mächtig Leben, wenn sich im Herbst die Welt der Oper hier trifft.

Beachtlich große Namen kommen immer wieder, um Erinnerungen auszutauschen und zu schauen, was der singende Nachwuchs so drauf hat, die Veranstaltungen in Ölbronn und im nahen Mühlacker, wo Gottlob Frick einst seine Lehrzeit als Mechaniker begann, sind also auch ein Sprungbrett für junge Künstler. Anlässlich des 100. Geburtstages von Gottlob Frick, hat man den Kultur- und Konzertsaal der Stadt nach dem berühmten Kammersänger benannt.
Natürlich wird in Ölbronn primär Gottlob Frick, der große Sohn des Ortes, geehrt, dem die Gemeinde in ihrem Rathaus respektabel viel Platz einräumt, aber nicht nur ihm wird »gehuldigt«, man bezieht ganz bewusst das gesamten Umfeld Fricks mit ein.
Weltweit einmalig ist hier die Sammlung von Handabdrücken. Es hat sich eine Tradition entwickelt, dass bei der herbstlichen Abschlussveranstaltung des Künstlertreffens alle Künstler, die erstmals teilnehmen, in einer rechteckigen Tonscheibe ihren Handabdruck mit Unterschrift hinterlassen. Diese Tafel wird gebrannt und verbleibt, durch Glas geschützt, im Museum. Inzwischen verfügt man hier über mehr als dreihundert Tonstücke. Mit der Lesbarkeit der Tonautogramme ist das so eine Sache, deshalb sind die Namen auch nochmals in Druckschrift auf der Glasscheibe angebracht.


Treppenaufgang zur Gottlob-Frick-Gedächtnisstätte - Foto Augenstein


Der Handabdruck von Josef Metternich


Großfotos vom Wirken Gottlob Fricks


Gottlob Fricks Falstaff-Kostüm, das er 1975 bei einer Aufführung an der Stuttgarter Staatsoper trug.

Zitat von »hart«

aber er nahm die Angebote der Städtischen Oper Berlin und der Staatsoper Hamburg an.

Und der Deutschen Staatsoper Berlin! Dort (im Ausweichquartier Admiralspalast) debütierte er am 21. Juni 1947 in der Premiere der "Zauberflöte" als Sarastro und sang bereits einen Monat später mit dem Daland seine zweite Premiere am Haus. In der Spielzeit 1947/48 stand Frick regelmäßig (wenn auch mit dem Zusatz "a.G.") auf dieser Bühne, neben Sarastro und Daland auch ab 3.10. als Premierenbesetzung unter Wilhelm Furtwängler den König Marke in "Tristan und Isolde", ab 20.6.1948 auch als Premierenbesetzung Komtur in "Don Giovanni" unter Joseph Keilberth, ab 2.1.1949 stand er auch als Veit Pogner auf dieser Bühne, ab 29.03.1949 sang er auch den Falstaff in den "Lustigen Weibern von Windsor", ab 19.5.1949 auch den Osmin und ab 7.6.1949 auch den Fürsten Gremin in "Eugen Onegin" (alles mehrfach). In der Berliner Erstaufführung von Gottfried von Einems Oper "Dantons Tod" stand er als Herrmann auf der Bühne, am 13.7.1949 sang er die Solo-Bass-Partie in Pfitzners "Von deutscher Seele". Ab 25.12.1949 sag er auch den Pimen in "Boris Godunow". am 7.2.1950 war Frick die Premierenbesetzung des Capulet in Sutermeisters "Romeo und Julia". Am 17.2.1950 sang Frick im Hause die Solo-Bass-Partie von Händels "Messias". Am 7.4.1950 war Frick der Premieren-Gurnemanz im "Parsifal" unter Joseph Keilberth. Bis Sommer 1950 trat Frick in etwa 100 Vorstellungen regelmäßig am Hause auf, danach werden seine (Gast-) Auftritte seltener. Sein letzter Auftritt im Admiralspalast fand am 15. Juni 1952 als König Marke unter Erich Kleiber statt.
Doch auch im 1955 wiedereröffneten Stammhaus der Staatsoper Berlin gastierte Frick einige wenige Male: im Januar 1956 in der Generalprobe und Premiere von "Tristan und Isolde" unter Franz Konwitschny als König Marke und dann ein letztes Mal am 15.10.1966 als Hagen in der "Götterdämmerung" unter Otmar Suitner.

Ich weiß nicht, wie viele Rollen und Abende Gottlob Frick an der Städtischen Oper (West-) Berlin gesungen hat, aber ich finde, dass 13 Opernrollen und 2 Konzertpartien bei mehr als 100 Auftritten (darunter in 8 Premieren) durchaus eine Erwähnung dieses Hauses (Staatsoper Berlin) in seiner Vita wert sind.

Zitat von »hart«

Es wäre nun müßig, und wohl kaum möglich, in ähnlicher Weise seine Tätigkeit an anderen bedeutenden Häusern im In- und Ausland darzustellen.

Lieber Stimmenliebhaber,
es ist ja gut, wenn man einen kompetenten Spezialisten vor Ort hat - besten Dank für diesen wertvollen ergänzenden Beitrag! Aber wie oben zitiert, der Bericht eines Museums- oder Grabbesuchs kann nicht das leisten, was möglich ist, wenn man eine Biografie in Buchform schreibt. Gottlieb Frick hätte sich bestimmt darüber gefreut, dass seine Leistung in Berlin entsprechend gewürdigt wird, aber 88 Jahre sind eine lange Lebensspanne ...

Lieber Operus,

damit keine Missverstände aufkommen: Ich habe hier die Auftritte Fricks an der Staatsoper Berlin (Ost) nachgereicht. Über Fricks Auftrittszahl an der Städtischen Oper Berlin (West), die zum Stammhaus Josef Greindls wurde, nachdem er an der Berliner Staatsoper nicht mehr auftreten durfte, weiß ich bislang leider auch nichts.

Der Kuhhirtenturm, die ehemalige Wohnung von Paul Hindemith





Die Große Rittergasse in Frankfurt ist eine autofreie Pflasterstraße, in der es wohl weltweit das dichteste Gedränge von Apfelweinwirtschaften gibt, allerdings waren das früher weit mehr als heute; der Stadtteil heißt Alt-Sachsenhausen. Von der Frankfurter Innenstadt kommend, ist die Mainquerung über die Ignatz-Bubis-Brücke wohl die beste Möglichkeit den Turm einfach und schnell zu erreichen. Vom Main her, beginnt dann nach dem Turm die Apfelweinkultur.
Der Turm, der schon seit etwa 1390 hier steht, war einer von mehreren Wehrtürmen und wurde, wohl seiner Größe wegen, Elefant genannt. Ursprünglich einmal als Wehrturm konzipiert, verlor er diese Funktion und man nutzte ihn als Armeleute-Wohnung, die den Kuhhirten beherbergte.1923 erhielt der Turm eine enorme Aufwertung, indem er zur Produktionsstätte bedeutender Kunstwerke wurde, die Oper »Cardillac« und der Liederzyklus »Marienleben« sind zum Beispiel in diesem Turm entstanden. Ab diesem Zeitpunkt diente er nämlich dem Komponisten Paul Hindemith als Wohnung.



Robert Rudolf Hindemith, der Vater von Paul Hindemith, wäre gerne Musiker geworden, schlug sich dann aber als Maler und Anstreicher durchs Leben und spielte zu seiner privaten Ergötzung mit Begeisterung Zither. Die Mutter kam aus einer Familie von Schäfern.
Dem Paar wurde am 16. November 1895 in Hanau ihr erstes Kind geboren, dem sie den Namen Paul gaben, weil der Großvater auch so hieß. 1898 kam Pauls Schwester Toni zur Welt und 1900 Bruder Rudolf; das 1905 geborene Zwillingspaar hatte keine Überlebenschance.

Ab 1905 lebt dann die Familie in Frankfurt. In der Literatur findet man die Aussage: »Paul Hindemiths Vater muss für seine Kinder wohl gleich den Musikerberuf bestimmt haben, denn er unterwarf sie schon in ihrer frühesten Kindheit einem erbarmungslosen musikalischen Drill.«
Es stimmt traurig, wenn man liest, dass die Jahre 1899 bis 1902, bei den Großeltern in Naumburg, für Paul die einzige glückliche Zeit in seiner Kindheit waren.
Das was der Vater für sich erträumt hatte, wollte er in seinen Kindern verwirklicht sehen; noch dem achtzehnjährigen Paul fordert er brieflich asketische Strenge ab. Aber dem musikbegeisterten Vater schwebte offenbar nicht vor, dass sein Sohn mal ein weltbekannter Komponist werden müsse, er war schon zufrieden, wenn seine Kinder in den Dörfern seiner Oberschlesischen Heimat als »Frankfurter Kindertrio« erfolg hatten. Paul und Toni spielten Violine und Rudolf Cello. Chronisten zweifeln daran, dass der Vater das tatsächliche außergewöhnliche Potenzial von Paul erkannte.
Eugen Reinhard in Mühlheim am Main war Pauls erster richtiger Musiklehrer; als Familie Hindemith 1905 nach Frankfurt zog, übernahm die Schweizer Geigerin Anna Hegner Pauls weitere musikalische Ausbildung und empfahl ihn 1907 an Adolf Rebner, der Konzertmeister im Opernorchester war und auch in einem Streichquartett die erste Geige spielte.
Bis zu Pauls Volksschulabschluss wurde er von Rebner als Privatschüler unterrichtet.
Schließlich konnte ihm Rebner dann auch eine Freistelle am angesehenen Hochschen Konservatorium verschaffen. Dort war er ein sehr fleißiger Schüler, sein Vorbild war Adolf Busch.

Bei allem Fleiß holte er aber einiges an freier Entfaltung nach, was ihm in seiner Kinderzeit nicht vergönnt war. Sein Lebensinhalt wurde lockerer und er kam auch mit etablierten Familien in Kontakt. Er spielte Sketsche, Puppentheater, fertigte skurrile Zeichnungen und spielte leidenschaftlich gern mit der Eisenbahn.
Neben den vielen Lehrern, die er hatte, sollte man den privat so unglücklichen Arnold Mendelssohn nennen, der ihm in dieser Zeit ein wichtiger Lehrer in Komposition war.
Als im Sommer 1914 der Erste Weltkrieg begann, hat das auch ganz beträchtlich in das Leben Paul Hindemiths eingegriffen. Wie viele mit ihm, war er von der Sache zunächst begeistert und freute sich, dass die Franzosen endlich was auf die Mütze bekommen sollten, als jedoch sein Vater 1915 als Soldat in Frankreich gefallen war, sah er diesen Krieg mit anderen Augen. Urplötzlich war er in der Situation, dass er Verantwortung für seine Mutter und die noch minderjährigen Geschwister zu tragen hatte.

Da traf es sich gut, dass im Sommer 1915 im Frankfurter Opernhaus ein neuer Konzertmeister gebraucht wurde. Aus dem damals 19-jährigen Paul Hindemith war zwar ein hervorragender Geiger geworden, aber er hatte seine 1908 begonnenen Studien weder als Violinist noch als Komponist offiziell abgeschlossen. Allerdings war er bereits durch Vortragsabende einem fachkundigen Publikum recht positiv aufgefallen. Er bekam seinen Platz im Orchester und erreichte im Frühjahr 1916 sogar die Position des Ersten Konzertmeisters. Ganz so leicht, wie sich das in einer Kurzbiografie liest, war das aber nicht. Man hatte ihn mit dem Vorspiel-Termin überrascht, aber dennoch gelang es ihm, sein Können herauszustellen. Und noch einmal wurde er zu einem Vorspiel gebeten, bei dem der Amsterdamer Kapellmeister Mengelberg zugegen war; dieser versuchte dem jungen Anwärter Steine in den Weg zu legen, weil er sich an Hindemiths Jugend störte, es wurde aber gemunkelt, dass Mengelberg diese Stelle gerne einem Geiger aus seinem Dunstkreis zuerkannt hätte. Hindemith zeigte dann jedoch so viel von seinem überdurchschnittlichen Können, dass man ihm die Stelle zuerkennen musste. Diese Position erreicht zu haben, bedeutete für ihn auch einen großen sozialen Aufstieg. Nun war er also zum Konzertmeister bestellt und hatte immer noch kein abgeschlossenes Studium, aber im Juni 1916 legte er am Konservatorium dann ganz offiziell sein Examen ab, dies war dann allerdings nur noch Formsache.

Am 13. August 1917 - an diesem Tag wurden auf Frankfurt Bomben geworfen und Menschen getötet - hatte es sich für Hindemith ausgefiedelt, er wurde zum Militär eingezogen, aber man gab ihm vorerst noch Gelegenheit weiterhin im Opernorchester zu spielen. Im Januar 1918 war dann damit Schluss, sein Regiment fuhr gegen Frankreich, zunächst ins Elsass, südlich von Muhlhouse, wo er noch notieren konnte: »Der Dienst ist nicht arg streng, ich habe viel freie Zeit und kann für mich arbeiten, was ich will.» Dort entstand dann tatsächlich sein 2. Streichquartett op. 10, in dieser Kriegsphase hatte er mächtig Glück, sein Kommandeur, Graf von Kielmansegg, war ein großer Musikfreund und erlaubte die Bildung eines Streichquartetts. Als dann das Regiment nach Flandern verlegt wurde, war es mit solcherart Lustbarkeiten vorbei und Hindemith erlebte das Grauen des Krieges; am 10. November 1918 ist in Flandern der Krieg für Paul Hindemith zu Ende.

Diese Kriegserlebnisse haben Hindemiths weiteres Wirken sehr stark geprägt. Zwar tat er im Orchester weiter routiniert seinen Dienst, aber immer mehr widmete er sich dem Komponieren und in dieser Zeit hatte er auch seine Liebe zur Bratsche entdeckt.
1919 wurde Geheimrat Dr. Ludwig Strecker, der Inhaber des renommierten Schott-Verlages, zu einem Konzertabend eingeladen, bei dem ausschließlich Kompositionen von Paul Hindemith auf dem Programm standen, konnte aber nicht an dem Konzert teilnehmen, weil die französischen Besatzer eine Ausreise nicht gestatteten. Aber Dr. Streckers Interesse war geweckt und er ließ sich die Partituren schicken. Für Hindemiths 2. Streichquartett f-moll op. 10, bot man 100 Mark, was Hindemith entrüstet ablehnte; dem Verlag teilte er mit, dass er mit sich reden ließe, wenn man ihm mehr als 500 Mark bieten würde; sei das für den Verlag nicht akzeptabel, möge man ihm bitte seine Arbeit zurückschicken.

1921, bei der Gründung der «Donaueschinger Kammermusik-Aufführungen zur Förderung zeitgenössischer Tonkunst», ergaben sich unerwartete Probleme, wegen der Uraufführung von Hindemiths drittem Streichquartett op. 16. Die für die Erstaufführung vorgesehenen Musiker warfen das Handtuch, der Schwierigkeitsgrad schien ihnen zu hoch.
So kam es dann zur Gründung des Amar-Quartetts, Hindemith gründete es 1922 als Bratschist unter dem Namen des ungarischen ersten Geigers Licco Amar. Hindemiths Bruder Rudolf war als Cellist beteiligt. Paul Hindemith wirkt bis 1929 mit, 1933 löst sich das Quartett auf.
Diese Donaueschinger Uraufführung war für den bisher als Komponist weitgehend unbekannten Hindemith ein voller Erfolg, der ihn mit einem Schlag bekannt machte.
1922 befasst sich Hindemith bevorzugt mit alter Musik und entdeckt seine Liebe zu alten Instrumenten, so auch zur Viola d´amore. Seiner Freundin Emmy Ronnefeld schreibt er einmal: »Ich habe einen neuen Sport, ich spiele Viola d´amore, ein ganz herrliches Instrument, das ganz verschollen ist, und für das nur eine ganz kleine Literatur besteht.«

Als Hindemith 1923 von dem gut betuchten Wiener Pianisten Paul Wittgenstein einen Kompositionsauftrag für ein Klavierkonzert erhält, rückt auch der Frankfurter Kuhhirtenturm so langsam ins Blickfeld der Musikgeschichte.

Paul Wittgenstein hatte durch Kriegseinwirkung seinen rechten Arm verloren. Die Familie war so reich, dass er sich hätte zur Ruhe setzen können, aber er setzte sich nicht zur Ruhe, sondern setzte mit eisernem Willen seine Pianisten-Karriere fort, allerdings waren entsprechende Kompositionen dünn gesät, also vergab er Aufträge, vor allem an Komponisten, mit denen er teilweise schon als Knabe vierhändig gespielt hatte. Neben der Komposition Hindemithts waren da noch Richard Strauss, Franz Schmidt, Erich Wolfgang Korngold, Prokofjew, Ravel und Benjamin Britten im Gespräch.
Paul Wittgenstein war ein schwieriger Kunde, ihm gefiel Hindemiths Arbeit nicht, vermutlich war es ihm zu modern geraten, er nahm es in Besitz, führte es aber nicht auf. Dessen ungeachtet zahlte Wittgenstein sofort, als ihn Hindemith - mit dem Hinweis, dass er sich in einem alten Wartturm eine Wohnung einrichten wolle - bat, ihm die Hälfte des Gesamtbetrags auszuzahlen. Aber das von Hindemith 1923 komponierte Werk - Klaviermusik mit Orchester op. 29 - fand erst im Jahr 2004 den Weg in die Öffentlichkeit und wurde somit über achtzig Jahre nach seiner Entstehung uraufgeführt – so lange hatten die Musikwelt und die Forschung keinen Zugriff darauf.
Noch eine zweite Geldquelle hatte sich inzwischen aufgetan; mit dem Verlagshaus B. Schott's Söhne in Mainz, konnte 1922 ein Vertrag abgeschlossen werden, der die anfänglich mickrigen Angebote des Verlags - wie oben erwähnt - weit übertraf und Hindemith eine monatliche feste Zahlung garantierte.

Hindemith hatte ein Auge auf diesen Wehrturm geworfen, weil er sich nun finanziell in der Lage sah, in das alte Gemäuer einen beträchtlichen Geldbetrag zu investieren. Im April 1923 verhandelte der Magistrat Hindemiths Antrag den Turm zu Wohnzwecken mit Zeitgemäßem Komfort wie Dampfheizung, Bad und Telefon ausbauen zu lassen. 1.000 US-Dollar war damals ein mächtiger Batzen Geld. Als Ausgleich für die von Hindemith bezahlte Renovierung, sollte der Musiker dann in den nächsten dreißig Jahren nur eine geringe Mietbelastung haben. Dass die Stadtverwaltung nun Hindemiths wertvolle Dollars unverzüglich in deutsches Geld eintauschten, das dann in rasender Geschwindigkeit zu fast Nichts verfiel, ärgerte Hindemith sehr. Dennoch konnte der Turm im Herbst 1923 bezogen werden; auch der Zeitung war dieses Ereignis einen Bericht wert und man stellte den spektakulären Vorgang so dar:
»Am alten Kuhhirtenturm schwebten Klavier und Harmonium, Tische und Betten an einem Flaschenzug empor, um durch die Fenster im Innern zu verschwinden.« Endlich konnte Hindemith mit seiner Mutter und Schwester im Turm wohnen.

Hindemith hatte sich praktisch mit allen Musikgenres befasst, so auch mit der Oper, wobei das nicht immer das war, was man sich so unter einer Oper allgemein vorstellt, da waren auch Miniaturopern wie »Hin und zurück«, »Mörder der Frauen« oder »Sancta Susanna« dabei, deren Spieldauer keine halbe Stunde beanspruchte; diese Werke erstanden alle vor 1930.
Seine erste abendfüllende Oper war »Cardillac«, ein Werk, das 1926 seine Uraufführung erlebte und nach dem Zweiten Weltkrieg eine erhebliche Erweiterung erfuhr.
Bei der Dresdner Erstsaufführung reagierten Publikum und Presse verhalten, wie es sich nachlesen lässt. Gleichwohl galt das Werk bei Kennern neuer Musik als Meilenstein in der Entwicklung des Musiktheaters.

1924 hatte Hindemith Gertrud Rottenberg, die Tochter des Frankfurter Opernkapellmeisters Rottenberg, geheiratet. Während Paul Hindemith 1927 einer Berufung an die Musikhochschule Berlin folgte, wohnten Mutter und Schwester weiterhin im Turm, der dann in der Bombennacht am 5. Oktober 1943 zerstört wurde.
In Berlin widmete sich Paul Hindemith nicht ausschließlich nur der Musik, er lernt dort auch Autofahren und nimmt Boxunterricht, wobei Boxlehrer Frank meint, dass das Boxen Hindemiths feinnervigen Händen in keiner Weise geschadet hat.

Nach der politischen Wende 1933 verändert sich das gesellschaftliche Umfeld Hindemiths so, dass er von der nun herrschenden Kulturbürokratie missachtet und seine Werke als »kulturbolschewistisch« bezeichnet wurden. Auch Furtwängler, der für Hindemith eintrat, konnte nicht verhindern, dass Hindemith 1934 als Hochschulprofessor beurlaubt wurde. Hindemith betätigt sich dann im Auftrag der türkischen Regierung in den Jahren zwischen 1935 und 1937 in Ankara mit der Ausbildung von Musikern und Musiklehrern nach westeuropäischem Muster.
Am 28. Mai 1938 wird »Mathis der Maler« in Zürich uraufgeführt, das Werk entstand jedoch im südlichen Schwarzwald, wohin sich der Komponist in aller Stille zurückgezogen hatte. (siehe »Der Musiker Ehrenplätze« Beitrag Seite 4, Nr. 110)
In Zürich gefeiert und in Düsseldorf angeprangert, wo seine Musik als »entartet« bezeichnet wurde, verlegt Hindemith seinen Wohnsitz in die südliche Schweiz und geht, nachdem er seine Möglichkeiten in USA sondiert hatte, 1940 nach Amerika, wo Paul Hindemith an der Yale University als Professor für Musikgeschichte tätig sein kann und später dann auch die amerikanische Staatsbürgerschaft annimmt.

In der Bombennacht 1943 verlor der Turm seine Spitze; als später die Amerikaner in die Stadt kamen, soll ein Soldat von dem zerstörten Turm Fotos gemacht haben, die den Flügel der ehemaligen Hindemith-Wohnung im Regen stehend zeigen.
Unmittelbar nach dem Krieg erhielt der Turm ein ziemlich flaches Notdach. Für einige Zeit stand der Kuhhirtenturm dann der Jugendarbeit zur Verfügung. Nach Ablauf der Nutzung durch das »Haus der Jugend« konnte man eine andere Verwendung ins Auge fassen, es war die Absicht der Stadt Frankfurt, das ganze Viertel aufzuwerten, kulturelle Einrichtungen waren willkommen. Schließlich wurde das ganze Viertel mit erheblichem Aufwand umgestaltet. Dabei hatte man bei der Stadt Frankfurt auch Überlegungen angestellt, wie man den Kuhhirtenturm der Öffentlichkeit zugänglich machen könnte, was bisher nicht möglich war.
2011 konnte das «Hindemith Kabinett im Kuhhirtenturm» mit Ausstellungsräumen zu Leben und Werk Hindemiths sowie einem Musikzimmer für Kammerkonzerte und Veranstaltungen eröffnet werden. Im Turm ist es schon etwas eng, was bereits bei Nennung der Maße deutlich wird:
Die Turmgrundfläche beträgt 6,00 x 7,00 Meter und die Mauern sind 1,50 Meter dick, also darf man demnach keine großen Räume im Innern erwarten. Dennoch verfügt das Gebäude über einen Konzertsaal - vielleicht ist es der kleinste der Welt, aber zumindest der kleinste in Frankfurt. Es ist ein Raum, in dem vor Publikum konzertiert wird und der über einen Konzertflügel verfügt. Etwa 25 Besucher können zuhören, hier finden immer wieder Kammermusik-Veranstaltungen statt. Wenn man den Turm betrachtet wird deutlich, dass er oben breiter ist.
Als der Turm 2010 wieder instand gesetzt wurde und die Turmhaube abgenommen war, nutzte man die Gunst der Stunde und hievte den Flügel, der sorgfältig in einer Holzkiste verpackt war, in die Höhe. Erst im Februar 2011 durfte er ausgepackt werden, als die Bauarbeiten abgeschlossen waren.


Über diesen Weg kommt kein Klavier nach oben










Ein Konzertsaal dieser Größenordnung ist rasch ausgebucht ...


Der Wandschmuck im Konzertsaal ist ebenfalls ein Werk Hindemiths


Hindemith schaute noch auf das alte Frankfurt - so ist der Ausblick für den Museumsbesucher heute.

Nach dem Zweiten Weltkrieg, schon 1947, kam Paul Hindemith wieder nach Europa. Frankfurt hatte angefragt ob er die Leitung der Musikhochschule übernehmen möchte, aber er mochte nicht, sondern übernahm in Zürich eine Professur für Musikwissenschaft.
Wenn er in den 1950er Jahren nach Frankfurt kam, dann hatte das den wesentlichen Grund zum Arzt zu gehen. 1963, nach einem Konzert in Wien, wird Hindemith schwer krank und seine Ärzte in Frankfurt stellen eine Bauchspeicheldrüsenentzündung fest, am 28. Dezember stirbt Paul Hindemith in Frankfurt. Bürokratische Gegebenheiten stehen einer Beisetzung in Frankfurt im Wege, obwohl seine Frau Gertrud, die in Frankfurt gebürtig war, diesen Wunsch hatte. Seine letzte Ruhe fand Paul Hindemith auf dem Friedhof des an Blonay angrenzenden Ortes La Chiésaz in der Nähe des Genfer Sees.

Lieber Hart,

herzlichen Dank für diesen ausgezeichneten Bericht über die Gottlob-Frick-Gedächtnisstätte.
Als Präsidiumsmitglied für "Öffentlichkeitsarbeit" der GFG kann ich nur sagen: Hut ab, vor diesem tollen Bericht.
Ich habe schon mit dem Gedanken gespielt, deine Ausführungen zu kopieren und als "Flyer" in unserer Gedächtnisstätte anzubieten. Aber da würde ich dann vermutlich urheberrechtliche Probleme mit dir bekommen, oder?

Herzliche Grüße,
Stefan

Zitat von »stefanloehrwuerzburg«

Aber da würde ich dann vermutlich urheberrechtliche Probleme mit dir bekommen,

Niemals würde ich einen Schubert-Freund verklagen ...

Hallo hart,

Zitat

Hindemith in Frankfurt am Main - ein enges, aber authentisches Museum

.....jedem Musikliebenden Besuch der bei mir war, habe ich dieses interessante und sehenswerte Museum in Sachsenhausen gezeigt!

Vielen Dank für die Erinnerung! LG Fiesco

es ist nicht die Würmlinger von Uhland, sondern eine Kapelle, die der weltberühmte Dirigent Willem Mengelberg auf mehr als 1700 Meter im Schweizer Engadin erbauen ließ.








Heute ist der Todestag des Dirigenten Willem Mengelberg, auch hoch in den Bergen erinnert eine Kapelle an ihn.

Mengelberg war 1871 im Niederländischen Utrecht geboren, aber seine Eltern stammten aus dem Rheinland, wo Willems Großvater mit der künstlerischen Gestaltung von Kirchenmobiliar zu tun hatte und unter anderem auch für den Kölner Dom die Kreuzwegstationen und die Bronzetüren des Nordportals fertigte. Nun wurde der Kundenkreis immer größer und man registrierte in zunehmendem Maße Aufträge aus den relativ nahen Niederlanden, nach Utrecht sind es ein bisschen mehr als zweihundert Kilometer, also verlegten Willems Eltern zwei Jahre bevor er zur Welt kam, ihren Wohnsitz in die Niederlande.

Durch die ursprünglich Kölner Herkunft der Familie bedingt, bot es sich an, dass Willem sein Musikstudium in Köln absolvierte. Während seines Studiums musste er einmal spontan als Glockenspieler einspringen, als Richard Strauss im Gürzenich »Don Juan« dirigierte, hier in den Schweizer Bergen entstand ein Glockenspiel mit einem gewissen Seltenheitswert.
Zunächst hatte es so ausgesehen, dass aus Mengelberg ein Klaviervirtuose werden könnte, aber dann bot sich ihm 1892 die Gelegenheit als Allroundmusiker in Luzern zu arbeiten. Hier wirkte er als Orchesterdirigent, leitete verschiedene Chöre, war Klavierlehrer und Direktor einer Musikschule; daneben fand er sogar noch etwas Zeit zum Komponieren.
Nun ergab sich 1895 in Amsterdam die Situation, dass das dort seit 1888 bestehende Concertgebouw-Orchester einen neuen Dirigenten brauchte. In den folgenden Jahren konnte er aus diesem Orchester einen Klangkörper formen, der weltweit Beachtung fand. Legendär ist dieses Mahler-Festival von 1920 in Amsterdam, wo sämtliche Mahler-Kompositionen aufgeführt wurden. Als man Otto Klemperer einmal fragte, ob Mengelberg einen besonderen Mahler-Stiel hatte, meinte Klemperer: »Nein. Mengelberg war doch eher ein hervorragender Trainer als ein großer Dirigent. Er verstand das Orchester zu bändigen, und er hatte ein sehr gutes Gehör.«
Nun, es ist wohl nicht zu bestreiten, dass sich Mahler und Mengelberg künstlerisch sehr, sehr nahe waren, das war natürlich auch bei Bruno Walter ähnlich, der aber fünf Jahre jünger war als Mengelberg, ergo konnte der Amsterdamer Chef-Dirigent mehr für den Anschub Mahlers tun.

Im Jahr 1900 war Mengelberg mit seiner Tilly auf der Hochzeitsreise wieder in die Schweiz gekommen. Mit Mengelbergs Ruhm stieg auch sein Einkommen, sodass er sich realistisch nach einem Ruheplätzchen für die konzertfreien Wochen umschauen konnte.

Von alters her war bekannt, dass es im Val Sinestra, das auf dem Gemeindegebiet von Sent liegt, heilende Quellen gibt. Man begann allmählich einen Kurbetrieb einzurichten, der sich gut anließ, so dass man sich dazu entschloss, in dieser eigentlich gottverlassenen Gegend, sechs Kilometer von Sent entfernt, ein stattliches Kurhotel mit 120 Betten zu errichten, das 1912 eröffnet wurde. Kaum war das Hotel eröffnet ging es, bedingt durch unvorhersehbare Ereignisse, wirtschaftlich bergab; der Erste Weltkrieg war dann einem florierenden Kurbetrieb auch nicht förderlich.

Von diesem ehemaligen Kurhaus aus, das durch eine schmale Fahrstraße vom Ort Sent her erreichbar ist, führt ein Wanderpfad, in dessen Verlauf man über zwei spektakuläre Hängebrücken kommt, in einer guten Stunde hoch zum Hof Zuort, der in Urkunden schon 1482 erwähnt ist. Zuort war jahrhundertelang Alpwirtschaft, Säumerstation - also eine Station für Lasttiere - und Zollamt, denn Österreich liegt gleich hinter dem nahen Fimberpass.
1910 kam Mengelberg vom etwa vier Kilometer entfernten Vná und hatte den Flecken gleich ins Herz geschlossen, und es war ihm möglich, ein Stück Land zu erwerben, um sich dort ein Haus zu bauen. Mengelberg entwarf sein Haus selbst. Ab 1914 konnte man Gäste empfangen, aber der etappenweise fortschreitende Bau war dann erst 1922 in seiner jetzigen Form fertiggestellt. 1920 kaufte er auch noch das Bergheimanwesen dazu und setzte einen Bauern aus Sent zum Pächter ein.
Die Gästeliste ist beachtlich und gespickt mit Berühmtheiten aus der Musikwelt wie zum Beispiel: Fritz Kreisler, Richard Strauss, Walter Gieseking, Paul Hindemith, CaselIa ...
Hindemith als Gast in Zuort, wie doch die Zeit vergeht, 1916 versuchte Mengelberg den damals noch blutjungen Hindemith als Konzertmeister in Frankfurt zu verhindern.

Aus Dankbarkeit, dass die Niederlande und die Schweiz vom ersten Weltkrieg verschont geblieben waren, ließ Mengelberg ganz in der Nähe seines Wohnhauses eine Kapelle im Stil einer norwegischen Stabkirche errichten, der man von außen nicht unbedingt ansieht, dass sie im Innern mit aufwändigen Schnitzarbeiten versehen ist.





Die Arbeiten an der Kapelle wurden im Wesentlichen 1928 fertiggestellt. Eine Besonderheit ist das eingebaute Glockenspiel. Im Juni 1924 besucht Mengelberg selbst die Glockengießerei in Aarau und bereits Ende August des gleichen Jahres wurden die ersten sechs Glocken in Zuort angeliefert. Es kamen immer mehr Glocken dazu, letztendlich waren es 15 Glocken geworden. Wie aus alten Unterlagen ersichtlich, gab es bei der Beschaffung der Glocken mitunter finanzielle Engpässe.

Ein Carillon in dieser Landschaft war schon etwas ganz Besonderes, schon die Bezeichnung sagt an, dass es sich um ein Turmglockenspiel handelt. Solche Instrumente haben ihren Ursprung in Belgien, den Niederlanden und Nordfrankreich. Mengelberg soll über hundert »Zuorter Weisen« für sein Glockenspiel komponiert haben, aber nur 17 stehen heute noch zur Verfügung, die anderen sind verschollen. Natürlich war Mengelberg höchstselbst hier Carrillonneur, aber noch viele Jahre nach Mengelbergs Tod spielte seine langjährige Assistentin Ellie Bysterus Heemskerk das Carillon, wenn die Gäste in Zuort eintrafen, dann ging die Zeit darüber hinweg ... Man plant nun eine mechatronische Aufrüstung mit elektronischer Klaviatur, damit irgendwann die Glocken wieder täglich erklingen können.

In seinem Testament hatte Willem Mengelberg festgelegt, dass nach seinem Tode die Chasa für »Musiker aller Welt» offen stehen sollte, damit sie hier - wie er es selbst so gerne getan hatte - ihren Urlaub verbringen können. Das hatte viele Jahre so Bestand, erst in den letzten Jahren ergab sich hier eine andere Situation, weil die Weggefährten des Meisters auch den Gegebenheiten des Lebens Tribut zollen mussten. Vor einigen Jahren übernahm ein wohlhabender Arzt aus St. Moritz das Anwesen, aber die Idylle soll nicht angetastet werden und in Zuort können Fremde, wie zu Mengelbergs Zeiten, immer noch absolut ruhige Nächte verbringen.

Anmerkung: Im Thread »Der Musiker Gräber« ist unter Nr. 525 ein etwas umfangreicherer Text zu Willem Mengelberg eingestellt.


Die Chasa Mengelberg mit Kapelle

Am Karfreitag, es war der 30. März 1866, kam Richard Wagner mit seiner Geliebten, Cosima von Bülow, nach Luzern; sie waren aus Genf gekommen und hatten Luzern über die Reiseroute Lausanne, Bern und Interlaken erreicht.




Der Blick aus Wagners Wohnräumen



Während einer Schifffahrt auf dem Vierwaldstättersee entdeckte das Paar die Halbinsel Tribschen am Rand von Luzern mit einem imposanten Herrenhaus, das zwar leicht verwahrlost war, aber dieser Zustand ließ sich ja ändern.
Wie sich herausstellte, stammte das Haus aus dem Spätmittelalter und wurde einst von den Herren zu Tripschen bewohnt. Im 18. Jahrhundert erwarb es eine Luzerner Patrizierfamilie und baute es in seine heutige Form um. Wagner mietete diesen Landsitz von einem Oberstleutnant Walter Am Rhyn und schloss für das möblierte Haus einen Mietvertrag ab; für ein Jahr war die Summe von 3000 Franken fällig. Da die vorhandene Möblierung nicht Wagners Geschmack entsprach, orderte er auf schnellstem Wege Mobiliar aus Genf, München und Wien. Auch einige Umbauten wurden schleunigst veranlasst, die Handwerker waren gefordert, Wagner drängte. Finanziell war die Sache abgesichert, weil der Bayernkönig Ludwig II. für die Miete und teilweise auch den Lebensunterhalt aufkam.
Cosima war alleine nach München weitergereist, während sich Wagner darum kümmerte, dass man hier standesgemäß wohnen konnte und zog bereits am 15. April in das Haus ein. Erst am 12. Mai folgte auch Cosima, die zunächst einige Zeit eher vor der Welt verborgen lebte, es waren etwa fünf ehebrecherische Jahre, die zwar noch nicht einmal Hans von Bülow wahrhaben mochte, auch gegenüber Ludwig II. wollte man so tun als sei da nichts, aber der Sachverhalt war doch mehr oder weniger bekannt.

In München hatte es Wagner 1865 auf die Spitze getrieben; dort war er nicht nur wegen seiner Verbindung mit der Frau des Dirigenten Hans von Bülow ins Gerede gekommen, die Öffentlichkeit betrachtete auch die hochfliegenden Pläne von Theaterprojekten und seine offensichtliche Verschwendungssucht mit steigendem Missmut. Als Wagner dann in einem Zeitungsartikel die Entfernung mehrerer Personen aus dem Kabinett verlangte, hatte er überzogen. Nun stellte man Ludwig II. ein Ultimatum: entweder würde Wagner aus München entfernt oder die Minister träten geschlossen zurück. Der König gab dem Druck seiner Regierung nach, im Dezember 1865 musste Wagner München verlassen; zunächst setzte er sich nach Genf ab.

Es war nicht sein erster Besuch in der Schweiz, schon 1849, als man ihn in Dresden steckbrieflich suchte, hatte er sich in diese Richtung abgesetzt. Sein Freund Franz Liszt organisierte und finanzierte die Fahrt ins neutrale Zürich. Zwischen 1850 und 1861 entwickelte Wagner einen Plan seines zukünftigen Schaffens; er dachte alle Opern vor, die er in seinem Leben schreiben wollte. Damals, noch mit seiner ersten Frau Minna, wohnte er im Gartenhaus der reichen Wesendoncks mit Blick über den Zürichsee.

Luzern kannte Richard Wagner schon lange bevor er mit Cosima die Idylle Tribschen entdeckt hatte. Erstmals war er am 28. August 1850 in der Stadt, dann im Mai 1858, im Frühling 1859, und bei seinem vierten Besuch, der vom 29. März bis zum 7. Dezember dokumentiert ist, vollendet er im Hotel Schweizerhof seine Oper »Tristan und Isolde«; Felix Draeseke, der Wagner dort vier Wochen Gesellschaft leistete und mit ihm viele Ausflüge unternahm, durfte ihm zuschauen, als er die letzten Noten in die »Tristan«-Partitur schrieb. Im Laufe dieses mehrmonatigen Hotelaufenthalts lernte er auch die Hotelbedienstete Verena Weidmann, »Vreneli« genannt, kennen und schätzen. Sie trat bei Wagners Umzug nach München in seinen Haushalt ein, diente ihm dann auch in Genf im Landhaus »Les Artichauts« und war dann auch der gute Geist in Tribschen.

Wagners Frau Minna war im Januar 1866 in Dresden gestorben, während er sich weitab auf Reisen befand und in Marseille von ihrem Tod erst verspätet erfuhr und nicht an der Beerdigung teilnehmen konnte. Aber nun war es von Wagners Seite aus möglich, sein Verhältnis zu Cosima zu legalisieren.
Im Februar 1867 wurde Wagners und Cosimas zweite gemeinsame Tochter Eva in Tribschen geboren, schließlich zog Cosima im November 1868 dann endgültig bei Wagner ein. Nach der Geburt des Sohnes Siegfried im Juni 1869 willigte Hans von Bülow endlich in eine Scheidung ein und überließ Cosima jetzt auch die gemeinsamen Kinder. Am 25. August 1870 wurde diese Verbindung legalisiert, Richard und Cosima heirateten in Luzerns evangelischer Kirche St. Matthäus. Es war keine aufwändige Hochzeit, nur die Wagner geistig verwandte ehemalige »Revolutionärin« Malwida von Maysenburg und des Meisters rechte Hand, der musikalische Sekretär Hans Richter, fungierten als Trauzeugen. Wie berichtet wird, soll der Brautvater von der Hochzeit seiner Tochter aus der Zeitung erfahren haben. Man erinnert sich - selbiger hatte 1849 Wagners Flucht in die Schweiz organisiert.

Wagner gab den »Gutsherrn« und führte nach dem Einzug Cosimas ein großes Haus; neben den nun zahlreichen Familienmitgliedern waren da noch:
Der musikalische Sekretär Hans Richter, der auch die Funktion eines »Maître de Plaisir« hatte und die Hauskonzerte organisierte, eine Erzieherin, ein Kindermädchen, eine Köchin, eine Haushälterin, und zwei bis drei Knechte.
Daneben waren noch eine Menge Tiere zu versorgen: die Hunde »Ruß« und »Koß«, das Pferd »Fritz« und das von Cosima aus München mitgebrachte Pfauenpaar »Wotan« und »Fricka«, sowie ein Goldfasanenpaar, Hühner, Schafe, Katzen ...

Nach Tribschen kamen einige prominente Besucher, der wohl ranghöchste dürfte König Ludwig II. gewesen sein, der schon am 22. Mai 1866 zu Richard Wagners 53. Geburtstag in aller Heimlichkeit anreiste und seinen Auftritt inkognito als Walther von Stolzing hatte. So ganz geheim scheint die Sache dann aber doch nicht gewesen zu sein, denn dieser Ausflug des Königs - er weilte in Tribschen zwei Nächte - sorgte in München für Irritationen, weil dieser Besuch bei Wagner stattfand, als in München wichtige politische Entscheidungen anstanden.

Zu diesem Ereignis kursierte eine mehrstrophige Ballade, deren erste Strophe lautet:

Im Bayernland, in Bayernland,
Da war der König durchgebrannt;
Verschollen und verschwunden
Seit einundzwanzig Stunden;
Die Bayern sind sehr übel dran -
Was fängt man ohne König an?

Ein zweiter, ganz bedeutender Geburtstag, war zu Weihnachten 1870 zu feiern, Cosimas 33. Geburtstag. Ein halbes Jahr vorher, am 6. Juni 1869, hatte sie Richard Wagner den ersehnten Stammhalter geboren - Siegfried. Nun war endlich mal Ruhe im Hause Wagner eingekehrt, nach all den Turbulenzen der letzten Jahre.
In aller Heimlichkeit hatte man Cosimas musikalisches Geburtstags- und Weihnachtsgeschenk vorbereitet. Schon im Oktober 1870 hatte er dieses intime Werk, das ursprünglich mit »Tribschener Idyll« bezeichnet wurde und dann als »Siegfried-Idyll« in die Musikgeschichte einging, komponiert.
Am 4. Dezember übergab Wagner die Partitur seinem Sekretär Hans Richter, der rasch Kopien fertigte und unverzüglich nach Zürich eilte, um dort aus dem städtischen Orchester einige Musiker auszuwählen, mit denen das Stück im Theaterfoyer geprobt wurde; dem folgte dann noch eine Probe, die in einem Luzerner Hotelsaal abgehalten wurde. Dann wurde es am Weihnachtstag in Tribschen spannend: Die Instrumente wurden in der geräumigen Küche gestimmt, dann nahm das kleine Orchester im Treppenhaus Aufstellung - Wagner ganz oben, dann die Violinen, Bratschen, Holzbläser, Hörner und unten Violoncello und Bass.
Den Eindruck dieser Überraschung konnte man viele Jahrzehnte danach in Cosimas Tagebuch nachlesen:

»Wie ich aufwachte, vernahm mein Ohr einen Klang, immer voller schwoll er an, nicht mehr im Traum durfte ich mich wähnen, Musik erschallte, und welche Musik! Als sie verklungen, trat R. mit den fünf Kindern zu mir ein und überreichte mir die Partitur des »Symphonischen Geburtstagsgrußes«–, in Tränen war ich, aber auch das ganze Haus. Auf der Treppe hatte R. sein Orchester gestellt und so unser Tribschen auf ewig geweiht! … – Nun begriff ich R.’s heimliches Arbeiten, nun auch des guten Richter’s Trompete (er schmetterte das Siegfried-Thema prachtvoll und hatte eigens dazu Trompete gelernt), die ihm viele Ermahnungen von mir zugezogen hat.«

Nur ganz allmählich und zögerlich fand dieses Werk seinen Weg in die Öffentlichkeit. Das Siegfried-Idyll ist im Original für Streichquartett mit Kontrabass, Flöte, Oboe, zwei Klarinetten, Fagott, zwei Hörnern und Trompete instrumentiert. Mit größerer Streicherbesetzung wurde das Idyll am 20. Dezember 1871 in Mannheim zum ersten Mal vor geladenem Publikum aufgeführt. Auch in die Aufführung in Meiningen am 10. März 1877 fand noch als geschlossene Veranstaltung statt; so ein bisschen »halbprivater« Charakter blieb erhalten. Es war ja ursprünglich nicht für die große Öffentlichkeit gedacht und so sah es Cosima nicht gerne, dass ihr ganz persönliches Geburtstagsgeschenk vermarktet werden sollte. Aber später war Wagner durch eine finanzielle Zwangslage genötigt, das Werk gegen den Willen Cosimas beim Verlag B. Schott’s Söhne, Mainz, zu veröffentlichen.


Der Erard-Flügel, ein Prachtstück des Museums





Man kann über Tribschen nicht berichten, ohne den Namen Friedrich Nietzsche zu erwähnen; dieser war übrigens sowohl bei den Proben zum »Siegfried-Idyll« als auch bei der Uraufführung im Treppenhaus anwesend.
Nietzsche hatte Wagner schon außerhalb von Tribschen kennengelernt, das war am Abend des 8. November 1868 in Leipzig, in Basel war er dann schon näher an Wagners aktuellen Wohnsitz herangekommen und Wagner hatte ihm gesagt, dass er ja mal in Tribschen vorbei kommen könnte.
Im April 1869 war der erst 24-Jährige Nietzsche als frischgebackener Professor in Basel eingetroffen. Zu Pfingsten 1869, gleich an den ersten freien Universitätstagen, erscheint Nietzsche, der Wagners Werke seit seiner Jugend gut kannte, unangemeldet in Tribschen; diesem Besuch sollten noch zweiundzwanzig folgen, wie Historiker notiert haben. Nietzsche fand bei den Wagners so eine Art Ersatzfamilie, denn an Festtagen wie Weihnachten gehörte er einfach mit dazu und man beschenkte sich gegenseitig. Der Altersunterschied zu Wagner war beträchtlich, immerhin drei Jahrzehnte, aber die altersmäßige Differenz zu Cosima war geringer. Sie gab dem jungen Besucher stets das Gefühl ein besonders wichtiger Gast der Familie zu sein; Spekulationen inwieweit sich Nietzsche verliebt hatte führen hier zu weit ab.
Aber beide Gastgeber registrierten erfreut, dass sich der intelligente junge Mann auch gut als Propagandist für die Bayreuther Sache einspannen lässt, Nietzsche besucht mehrmals Bayreuth und ist auch bei der Grundsteinlegung des Festspielhauses mit dabei gewesen. Er soll sogar erwogen haben, sich von der Universität beurlauben zu lassen, um die Bayreuther Pläne propagandistisch vorantreiben zu können.
Allerdings schaute Friedrich Nietzsche nicht immer und ewig zu Meister Wagner auf. Nietzsche hatte an dem Brahms-Werk »Triumphlied« op. 55 Gefallen gefunden, das er im Sommer 1874 in einem Konzert des Basler Gesangvereins gehört hatte. Bei seinem Bayreuth-Besuch im August 1874 nahm er die Noten mit und versuchte, dieses Werk Wagner näher zu bringen, was dieser heftig ablehnte - »mit Wut und Toben«, heißt es in der Literatur. Nietzsche war von dieser Reaktion schwer enttäuscht, weil er nicht verstehen konnte, dass Wagner nicht die Größe hatte, auch andere Werke anzuerkennen.
Als Nietzsche 1876 wieder nach Bayreuth kam, schenkte ihm das Ehepaar Wagner kaum Beachtung, weil man mit scheinbar Wichtigerem beschäftigt war - kein Vergleich mit der gemeinsamen Zeit in Tribschen. Das in Bayreuth zwischenzeitlich entstandene Milieu war nicht im Sinne Nietzsches und Wagners Hinwendung zu christlicher Symbolik behagte ihm noch weniger. Man begegnete sich noch einmal im Frühherbst 1876 in Sorrent, dann blieben nur noch Erinnerungen an schönere Zeiten in Tribschen.

1872 war das noch ein besseres Verhältnis zwischen den beiden gewesen. Am 25. April war Nietzsche nach Tribschen gekommen und dachte Wagner dort anzutreffen, aber der hatte Tribschen schon am 22. April verlassen, weil die Entscheidung für Bayreuth gefallen war, im Februar hatte er dort ein Grundstück erworben und die Grundsteinlegung des Festspielhauses sollte zu seinem 59. Geburtstag stattfinden.
So fand er nur noch Cosima und die Bediensteten beim Packen vor und beschrieb die Situation so:

»Tribschen hat nun aufgehört. Wie unter lauter Trümmern gingen wir herum. Die Rührung lag überall, in der Luft und in den Wolken; der Hund fraß nicht, die Dienerschaft war, wenn man mit ihnen redete, in beständigem Schluchzen. Wir packten die Manuskripte, Briefe und Bücher zusammen - ach, es war so trostlos!«

Fünf Jahre nach seinem Weggang aus Tribschen, kehrte Wagner, aus London kommend, noch ein einziges Mal ins Tribschener Haus zurück. Nachdem die Wagners sich in Bayreuth ein neues Heim geschaffen hatten, stand das Haus in Luzern einige Jahre leer. Als Wagner dort am 19. Juli 1877 mit seiner ganzen Familie aufkreuzte, war das Haus von einer französischen Familie bewohnt, die sich taktvoll zurückzog und den berühmten Gast mit seinen Erinnerungen alleine ließ.
In der Folgezeit lebten viele andere Mieter in diesem Landhaus, bis sich 1929 eine Kommission mit der Idee gründete aus dem Haus ein Museum zu machen. Am 1. Juli 1933 wurde die Gedenkstätte feierlich eröffnet. Auch nachdem aus dem Wohnhaus ein Museum geworden war, behielt man den Charakter eines Wagner-Wohnhauses bei. Das erste Stockwerk wurde den Nachkommen Richard Wagners als Sommerwohnung zur Verfügung gestellt; sie machten davon regen Gebrauch und bedankten sich dafür, indem sie dem Museum einige Erinnerungsstücke überließen.

Die WAGNER-BÜSTE vor dem Museum
Die in Zürich ansässige Schweizerische Richard Wagner-Gesellschaft schenkte aus Anlass ihres 50 jährigen Bestehens dem Richard Wagner-Museum in Luzern diese Büste. Der Künstler Thomas Hunziker hat sie aus Neusilber gefertigt. Wagner ist in der Lebensspanne dargestellt, in der er das Haus bewohnte.
Dieses erste Wagner-Denkmal in der Schweiz wurde am 17. September 2006 eingeweiht. Ursprünglich war von Hunziker keine Beschriftung des Denkmals vorgesehen, aber auf Wunsch des Museums und der Stadt Luzern hat er diese jedoch nachträglich angefertigt.



Adresse:
Richard Wagner Weg 27, CH- 6005 Luzern
In den Wintermonaten ist das Richard Wagner Museum nicht geöffnet, in diesem Jahr ist es ab 1. April besuchbar.

Das Haus wurde 1874 fertiggestellt und wechselte dann einige Male den Besitzer. 1891 war der Pianist und Komponist Eugen d´ Albert für sich und seine Familie auf der Suche nach einer Wohnung, das Haus stand leer, war ruhig gelegen und bot ausreichend Raum.
Beide Ehepartner waren zu dieser Zeit schon sehr berühmte Leute und hatten stets zahlreiche Konzertverpflichtungen in den bekannten Musikmetropolen und Kontakte mit fast der ganzen Welt. Da war es günstig, dass Coswig bereits über einen Eisenbahnanschluss und ein Post- und Telegrafenamt verfügte.

Damit sich das künstlerisch arbeitende Paar nicht gegenseitig beim Musizieren störte und auch die sonstigen Umtriebe der zahlreichen Kinder, Angestellten und Besuchern d´ Albert nicht beim Arbeiten beeinträchtigten, ließ er sich in der äußersten Ecke des parkähnlichen Grundstücks einen zweistöckigen Pavillon zum Komponieren bauen; so etwas ähnliches hatte er schon vor Jahren in Eisenach praktiziert.

Eine Patchworkfamilie, wie man heute sagt, war damals eine seltene Konstruktion. Als das Paar hier einzog, hatte Eugen d´Albert eine gescheiterte Ehe hinter sich und seinen Sohn Wolfgang in die neue Verbindung eingebracht. Teresa Carreño, d´ Alberts neue Ehefrau, hatte schon zwei gescheiterte Ehen vorzuweisen und brachte ihre Tochter Teresita und Sohn Giovanni in die neue Ehe ein. Aus der neuen Verbindung mit d´Albert gingen zwei Töchter hervor, so dass nach einer gewissen Zeit fünf Kinder zu versorgen waren, wofür natürlich entsprechendes Personal bereit stand.
Es ist die Episode überliefert, dass Teresa mal ihren Mann um Hilfe bat und rief: »Eugenio, komm und schaffe Ordnung, meine Kinder und dein Sohn hauen unsere Kinder.«

Als 1891 die große Tonkünstlerversammlung in Berlin stattfand, traf Eugen d´Albert erstmals mit dieser exotischen Schönheit aus Venezuela zusammen, die Dame soll d´Albert zunächst kühl begegnet sein, wurde aber zutraulicher als sie in einer öffentlichen Orchesterprobe von ihrem Klavierkonkurrenten hörte, wie er das G-Dur-Konzert von Beethoven spielte. Die beiden näherten sich immer mehr an, gaben gemeinsame Konzerte und eine Heirat wurde ihnen von allen möglichen Seiten eingeredet, führende Zeitungen berichteten von der Heirat, was jedoch nicht den Tatsachen entsprach. Hans von Bülow betätigte sich dann auch noch als Ehevermittler und redete den beiden gut zu. Am 27. Juni 1892 gab man sich in London das Ja-Wort.

Da die Immobilie den Namen «VILLA TERESA« trägt, soll auf das Leben der Namensgeberin etwas näher eingegangen werden:

Teresa Carreño wäre fast ein Christkind geworden, sie wurde am 22. Dezember 1853 in Caracas geboren. Sie kam aus einer angesehenen Familie, ihr Vater war ein hochrangiger venezolanischer Politiker und privat ein recht guter Pianist, daneben ist er noch als Verfasser eines spanischen »Knigge« bekannt geworden.
Teresas Mutter hatte erhebliches musikalisches Erbgut mit eingebracht, ihr Vater war Musiker.
Teresas Großvater väterlicherseits war ein bedeutender venezolanischer Komponist.
Den ersten Klavierunterricht bekam das Mädchen von ihrem Vater. Mit fünf Jahren spielte Teresa, die im Kindesalter Teresita genannt wurde, schon leichte Stücke und dann dauerte es nicht lange bis sie mit größter Leichtigkeit Etüden von Czerny und Bertini spielte, auch Phantasien über Opernarien sollen ihr keine Schwierigkeiten bereitet haben.
Als Achtjährige gab sie ihr erstes öffentliches Konzert, hatte aber auch schon eine Polka komponiert, die von einer namhaften Militärkapelle gespielt wurde. Natürlich lag es bei so viel Talent nahe Teresita als »Wunderkind« zu bezeichnen, was jedoch der Familie nicht gefiel, aber die Eltern ahnten schon, dass da ein ganz außergewöhnliches Talent heranreift, aber es war ihnen auch klar, dass es wenig bringt, wenn man nur in Venezuela »weltberühmt« ist ...
Nach langen und eingehenden Beratungen beschloss der Familienrat in die Vereinigten Staaten überzusiedeln. Im Juli 1862 schifft sich die Familie auf einem Segler ein, ihr Ziel ist Philadelphia. Nach einer kurzen Ruhepause ging es weiter nach New York.
Das Besondere am Klavierspiel der Kleinen war die Unbekümmertheit ihres Spiels, das so gar nicht nach harter Arbeit aussah. Der Vater muss ein kluger Mann gewesen sein, denn er versuchte jeglichen Wunderkind-Rummel von seiner Tochter fernzuhalten.
Die Familie konnte es sich leisten, das alles in Ruhe anzugehen, man besaß in Caracas Ländereien, die einiges abwarfen. Die Situation änderte sich schlagartig, als man erfuhr, dass der heimatliche Verwalter betrügerisch tätig war und von dort nichts mehr zu erwarten war.

Hoffnung keimte auf, als sich Louis Moreau Gottschalk, der damals als pianistische Lichtgestalt unterwegs war, nach einigem Zögern die kleine Teresita anhörte, von ihrem Spiel begeistert war und anbot sie zu unterrichten, wann immer er in New York sei. Die leere Kasse einerseits und das positive Urteil Gottschalks andererseits, bewogen Vater Carreño zuzustimmen, dass seine nun neunjährige Tochter vor großem Publikum auftritt - das Konzert fand am 7. November 1862 in der Irving Hall, einem Konzertsaal für zwölfhundert Personen, statt. Das Mädchen hatte einen ganz großen Erfolg und bei einem Konzert, das vierzehn Tage später am gleichen Ort stattfand, soll der Jubel noch enthusiastischer gewesen sein. Teresa konzertierte in Boston und anderen Städten, man reiste herum, die Tochter war zur Ernährerin der Familie geworden. Sie gab Konzerte in Kuba und komponierte zwischendurch immer mal wieder eigene Stücke - zum Ende ihres Lebens hatte sie über vierzig Klavierwerke komponiert. Ein weiterer Höhepunkt war 1863 die Einladung ins Weiße Haus nach Washington, wo sie Abraham Lincoln vorspielte.

Aus musikalischer Sicht hatte Europa kulturell eine nicht zu überbietende Tradition, Familie Carreño beschloss diesem Umstand Rechnung zu tragen und schiffte sich auf dem Dampfer »City of Washington« nach Europa ein, die Überfahrt soll dramatisch gewesen sein, erschöpft ging sie in England an Land; Anfang Mai überquerte man den Kanal und traf in Paris ein. Empfehlungsbriefe an Monsieur Érard waren wertvoll wie Gold. Die Érards bemühten sich sehr um das Mädchen und sie kam unverzüglich in Kontakt mit den besten Musikern Europas. Sie spielte mit dem alten Rossini Klavier, hatte eine Begegnung mit Franz Liszt, traf Claude Debussy, Charles Gounod ... und stellte mit der weltberühmten Adelina Patti, die feststellte, dass Terese über einen wohllautenden Mezzosopran verfügt, Versuche mit ihrer Stimme an.

1866 musste Teresita Carreño den Tod ihrer Mutter Clorinda verkraften, nach einigen Monaten kehrte sie in den Konzertsaal zurück. Der berühmte Impresario Moritz Strakosch stellte eine Künstlertruppe für eine Konzertreise nach USA zusammen, Carlota Patti und der Violinist Émile Sauret waren ebenfalls mit von der Partie. Teresita und Émile waren fast gleichaltrig, fanden Gefallen aneinander und schlossen eine Zivilehe, aus der ein Mädchen und ein Junge hervorgingen; das zweitgeborene Kind, der Junge, wurde nur einen Monat alt. Der ideale Papa war Émile Sauret nicht; nach nur zwei Jahren trennte sich das Paar. Theresa musste weiterhin ihr Geld verdienen und gab das Töchterchen zur Adoption frei.

In Boston trat sie in die Gesangsschule einer Frau Rudersdorff, die mit Hans von Bülow befreundet war, als Klavierbegleiterin ein. Und frau Rudersdorff entdeckte, wie schon vor einiger Zeit Adelina Patti, dass bei Teresa auch Stimme war. Sie studierten die Rolle der Zerline aus »Don Giovanni« ein, in der Teresa Carreño tatsächlich in einigen amerikanischen Städten erfolgreich auftrat. Nun war sie also in der Strakosch-Truppe als Sängerin gelandet. Wo Zerline ist, ist Don Giovanni nicht weit, in der Truppe trug er den bürgerlichen Namen Giovanni Tagliapietra, der als der arroganteste und schönste Bariton galt. Ende 1874 hat sie diesen Traummann geheiratet, im März 1878 war sie wieder Mutter einer Tochter geworden. Als das Kind einige Monate alt war, nahm sie ihre pianistische Tätigkeit wieder auf, die Ehe war nicht besonders gut und als das gemeinsame Kind starb, war es kaum drei Jahre alt geworden. 1882 kam Töchterchen Teresita zur Welt, die Mutter komponierte »Mi Teresita«, eine bis heute erhaltene Komposition. 1885 kam noch der Stammhalter Giovanni zur Welt.

Aus Venezuela kam eine ehrenvolle Einladung von der Regierung, der Empfang war im Heimatland war enthusiastisch, Giovanni Tagliapietra stand etwas enttäuscht dabei, weil hier unbestritten seine Gattin der umjubelte Star war. Man glaubte bei all der Begeisterung in Caracas, dass man auch hier - wie in den USA üblich - eine Operntruppe erfolgreich durchs Land schicken könne, die Regierung stellte einen erheblichen Batzen Geld zur Verfügung und Teresa und ihr Mann engagierten Künstler für dieses Unternehmen, das letztendlich nicht gefallen konnte, man schob dem schlechten Tenor die Hauptschuld zu und es waren politische Querelen mit im Spiel. Nachdem man den Dirigenten bedroht hatte, nahm dieser Reißaus und in einigen Opernaufführungen schwang Teresa Carreño den Dirigentenstab, aber das Ganze endete als großes Fiasko.

Giovanni Tagliapietra war ein guter Bariton, aber als vorbildlicher Familienvater war er nicht zu gebrauchen, er spielte eher die Rolle eines flotten Junggesellen. Der Bruder des Baritons, Arturo Tagliapietra kam, um die Kinder zu betreuen und Teresa Carreño kam, von einer Freundin schon oft dazu gedrängt, zum Schluss, dass sie ihre Kunst im in dieser Sache aufnahmebereiten Europa darbieten sollte.
Als Teresas Gatte zu einem Gastspiel reiste, nutzte sie die sich bietende Gelegenheit und buchte für sich und ihre beiden Kinder eilig eine Schiffspassage nach Europa. Die 5000 Dollar Reisegeld waren geliehen, ihre Freundin hatte den Betrag bei einem Freund der Künste locker gemacht, der das Geld leihweise zur Verfügung stellte, und es dann später von der erfolgreichen Teresa Carreño zurück bekam.
Arturo Tagliapietra fiel die pädagogische Aufgabe zu, seinem Bruder mitzuteilen, dass Teresa nicht mehr zurück kommt und die Scheidung eingereicht hat.

Im Juli 1889 kam die vaterlose Familie in London an und reiste von dort nach Paris weiter, wo sie von Teresas Bruder, Manuel Carreño, der dort im diplomatischen Dienst stand, erwartet wurden. Die aus New York Kommenden staunten nicht schlecht, man hatte hier gerade das höchste Gebäude der Welt errichtet, den Eiffelturm.
Ende Oktober traf Teresa Carreño in Berlin ein und nahm Kontakt zur damals größten und renommiertesten Konzertagentur Wolff & Sachs auf. Man beriet sie dahingehend, dass sie für ihr Berliner Debüt ein Klavierkonzert mit Orchester wählen sollte. Im Mittelpunkt stand das a-Moll-Konzert von Grieg. Die Veranstaltung fand in der Singakademie statt, es spielte das Philharmonische Orchester Berlin. Die Pianistin wird als beindruckend und von stattlicher Gestalt und Schönheit geschildert, was, gepaart mit exzellentem Spiel, das sehr sachverständige Publikum voll überzeugte. Rasch war sie in Berlin eine bekannte Größe geworden und unternahm von hier aus auch Konzertreisen, wo sie dann auch einmal Edvard Grieg persönlich kennenlernte, der von ihrem Spiel sehr angetan war. Im Januar 1891 begab sie sich auf eine Tournee durch Russland, wo sie nach zwanzig Jahren mal wieder Anton Rubinstein traf, mit dem sie schon einmal über den Atlantik geschippert war.
Große »Reklame« in Berlin machte auch Hans von Bülow, der ja selbst ein ganz ausgezeichneter Pianist war, für Teresa Carreño - als dann noch Eugen d´ Albert hinzukam, hatten sich die Richtigen gefunden ...
Das Berliner Tonkünstlerfest 1891 war eine Musik-Großveranstaltung allererster Güte, da kam die Crème de la Crème zusammen. Hier trafen die beiden Kometen - wie es in der Literatur heißt - erstmals zusammen Teresa und Eugen; noch war man nicht beim vertraulichen »Du« angelangt, das erste Zusammentreffen fand in der Konzertagentur statt, sie konnte an dem kleinen Engländer nichts finden und war entsprechend kühl, er war von ihrer stattlichen Erscheinung sogleich angetan und Feuer und Flamme und als er sie dann erst spielen hörte, wusste er augenblicklich, dass das eine außergewöhnliche Pianistin war.

Teresa wurde zutraulicher als sie in einer öffentlichen Orchesterprobe von ihrem Klavierkonkurrenten hörte, wie er das G-Dur-Konzert von Beethoven spielte. Die beiden näherten sich immer mehr an, gaben gemeinsame Konzerte und eine Heirat wurde ihnen von allen möglichen Seiten eingeredet, führende Zeitungen berichteten von der Heirat, was jedoch nicht den Tatsachen entsprach. Hans von Bülow betätigte sich dann auch noch als Ehevermittler und redete den beiden gut zu. Beide Partner hatten gescheiterte Ehen hinter sich und aus diesen Verbindungen waren Kinder da. Am 27. Juni 1892 gab man sich in London das Ja-Wort und die neue Familienplanung konnte in Angriff genommen werden. In Coswig, knappe zwanzig Kilometer von Dresden entfernt, hatte man ein großes Grundstück mit einem geräumigen Haus erworben, Eugen ließ sich an einer abgelegenen Ecke des Parks einen Pavillon zum Arbeiten bauen; so war gewährleistet, dass sich beide bei ihrer künstlerischen Arbeit nicht störten.
Es war ein für jeden sichtbar ungleiches Paar, sie groß, schön und stattlich, er wirkte daneben eher unvorteilhaft, der Altersunterschied betrug elf Jahre.
Neben einigen Kompositionen - Eugen und Teresa komponierten -, war auch Eugenia, die gemeinsame Tochter von Teresa und Eugen entstanden.
In Coswig war Ende 1893 Herta, die zweite Tochter, zur Welt gekommen und die Kinderschar auf fünf angewachsen, von Eingeweihten ist die Episode überliefert, dass Teresa mal ihren Mann um Hilfe bat und rief: »Eugenio, komm und schaffe Ordnung, meine Kinder und dein Sohn hauen unsere Kinder.«

Der Geburt von Herta folgte ein Paukenschlag; d´Albert setzte sich ans Wochenbett seiner Frau, um ihr mitzuteilen, dass er die Scheidung möchte. Wie Zeitgenossen mitteilen, sei das wie ein Blitz aus heiterem Himmel gekommen, es seien keine Unstimmigkeiten vorausgegangen. Teresa nahm sich in Berlin gute Anwälte. Da sie auch während der Ehe stets gut verdiente und zur aufwändigen Haushaltsführung erkleckliche Geldbeträge beisteuerte, argumentierte man nun, dass hierzulande die Familienfinanzierung Männersache sei und die Frau im Trennungsfall ihr investiertes Geld zurückfordern könne, das Ganze sollte 70.000 Mark kosten. Erwähnenswert ist, dass beide - Pacta sunt servanda - noch in gemeinsamen Konzerten auftraten.

Dann stand Teresa mit ihren vier Kindern wieder alleine da, aber inzwischen war sie so bekannt, dass sie keine Schwierigkeiten hatte, den Lebensunterhalt zu verdienen; 1896 absolvierte sie in der Konzertsaison mehr als siebzig Veranstaltungen in ganz Europa. 1897 gab sie auch wieder Konzerte in Nordamerika. Dort hatte sie auch ihren Schwager Arturo wieder getroffen, mit dem sie immer bestens zurechtkam. Eines Tages stand Arturo Tagliapietra in Berlin vor der Tür. Endlich hatte Teresa den richtigen Familienvater gefunden, die Initiative soll von ihr ausgegangen sein, im Sommer 1902 war die Hochzeit.

In den folgenden Jahren war Teresa Carreño weltweit unterwegs. 1907 war sie erstmals in Australien und Neuseeland, 1908 gab sieallein in den Vereinigten Staaten achtzig Konzerte und die Chronik verzeichnet für 1909 einhundertzweiunddreißig Konzerte - es sei daran erinnert, dass der erste gesteuerte Motorflug der Brüder Wright erst 1903 stattfand ...

Während des Ersten Weltkriegs musste auch Teresa Carreño ihre Konzerttätigkeit einschränken, kam aber nochmals in der Herbstsaison 1916 nach Amerika, wo sie auch nochmal im Weißen Haus spielte. Teresas Töchter waren inzwischen verheiratet.
Es war eine große Tournee durch Südamerika geplant, aber vorher machte sie noch einen Abstecher nach Kuba. Als sie in Havanna am Flügel saß, sah Teresa die Tastatur doppelt. Man diagnostizierte eine teilweise Lähmung des Sehnervs. Noch einmal unternahm sie einen Versuch, es ging nicht mehr. Teresa Carreño starb am 12. Juni 1917 abends um sieben Uhr, ein ereignisreiches Leben war zu Ende gegangen. Sie wurde zunächst in New York beigesetzt; 1938 überführte man ihre Urne nach Venezuela. Ihr zu Ehren trägt ein 1983 eingeweihter Kulturkomplex in Caracas den Namen Complejo Cultural Teresa Carreño. Und der Name dieser Ausnahmepianistin ist seit 1991 sogar im Weltraum präsent, einer der Einschlagkrater auf der Venus wurde nach Teresa Carreño benannt.

Man kann auch heute noch ihr Klavierspiel - wie das von Eugen d´Albert und anderen Künstlern - hören, weil auch sie Aufnahmen auf diesem »Welte-Mignon-Reproduktionsklavier« gemacht hat, das auch die Anschlagsdynamik weitgehend originaltreu wiedergeben kann.

Eugen d´Albert verkaufte 1896 die Villa an den reichen Schweizer Paul Matter, der ein Faible für neuzeitliche Technik hatte und das Anwesen in diesem Sinne aufmöbelte, aber der Reichtum des neuen Besitzers schmolz hinweg. Nach den Kriegswirren wurde das Haus mit Flüchtlingen und Ausgebombten belegt. Die verwitwete Elisabeth Matter ist so verarmt, dass sie die Rhododendronblüten des Gartens in den Coswiger Blumenläden zum Kauf anbietet. Nach ihrem Tod geht das Haus 1961 in das Eigentum der Stadt über und wird zu einem Sechsfamilienhaus umgebaut, wobei das Haus seine historische Fassade und einiges mehr verliert. Zum 70. Todestag von Teresa Carreño lässt der Botschafter Venezuelas eine Gedenktafel am Haus anbringen. Als der einstige Botschafter Venezuelas in der DDR, der inzwischen Botschafter seines Landes in Deutschland geworden war, nach der Wende in Coswig anfragt, wie die 1987 versprochene Sanierung der Villa vorangekommen sei, kommt Bewegung in die Sache. Ein Förderverein wird gegründet und der Plan für eine Gedenkstätte entwickelt; im Jahr 2000 wird mit dem Umbau des Gebäudes begonnen.

Die aufwändige Wiederherstellung der historischen Fassade zeigt weitgehend wieder das ursprüngliche Gesicht; auch das Herrenzimmer, der Damensalon, das frühere Speisezimmer und die Bibliothek werden wieder hergerichtet. Der große Salon - einst Treffpunkt für Musiker und Literaten um Eugen d´Albert und Teresa Carreño - wird als Kammermusiksaal eingerichtet.
Neben Kammermusikabenden, Lesungen und kleinen Theaterstücken finden in den Räumen der Villa Teresa standesamtliche Eheschließungen, sowie private und geschäftliche Feiern statt.



HIER LEBTE VON 1891-1895
EUGEN d´ ALBERT*1864 †1932
KOMPONIST DER OPER TIEFLAND MIT SEINER FRAU
TERESA CORRENO *1853†1917
EINE DER HERVORRAGENDSTEN PIANISTINNEN DER WELT
DIE ZEIT IN KÖTITZ GEHÖRTE MIT ZU IHREN
SCHÖPFERISCHSTEN LEBENSABSCHNITTEN



Adresse:
Villa Teresa
Kötlitzer Straße 30
01640 Coswig

Anmerkung:
In der Literatur findet sich auch der Hinweis, dass »Tiefland« in der VILLA ERMINIA am Lago Maggiore entstanden ist - eine Oper kann zu Teilen schon an verschiedenen Orten entstehen ...