Erinnerungen an verstorbene und Geburtstags-Glückwünsche an lebende Musiker

LouisAubert, der in Paramé, Ille et Vilaine, geboren wurde, galt als Wunderkind. Seine Eltern, die sein musikalisches Talent erkannten, schickten ihn nach Paris in die musikalische Früherziehung. Er erfuhr frühe Anerkennung fü seine Stimme, speziell für seine Interpretation des "Pie Jesu" in Faurés Requiem. in der Kirche de la Madeleine. Der junge Aubert traf Fauré am Pariser Konservatorium, und er besuchte regelmäßig seine Kompositionsklassen, was großen Einfluss auf seine Entwicklung hatte.
(Übers.: William B. A.)
Der Rest erfolgt in englischer Sprache:
Aubert became an excellent pianist. In 1911, he premiered Maurice Ravel's Valses nobles et sentimentales, which were written for and dedicated to him. He also worked as a piano and composition teacher, both privately and on the faculty of the Conservatoire de Paris. He counted among his students Henry Barraud, Jean-Marie Beaudet, Jean Berger, Marinus Flipse, and Georges Savaria.
He composed music for the church, several ballets, mélodies, and incidental music for the stage. Although Breton by birth at a time of intense Breton nationalism, he was little inspired by his home region, although he was a founding member in 1912 of the Association des Compositeurs Breton. Aubert wrote popular songs, notably for Marie Dubas. He also contributed to the magazines Chantecler, Paris-soir, Le Journal and Opéra.
Aubert wrote one opera in three acts based on classic fairy tales by Charles Perrault to a libretto by J. Chenevière entitled La fôret bleu ("The Blue Forest"). The work was composed between 1904 and 1911, and individual acts were performed while the work was in progress. The first complete staged performance took place in Geneva on 7 January 1913. The enchanting characters and delightful plot enabled the work to achieve popular success in other theaters, including Boston later the same year. The work did not appear in Paris until 1924, where it was staged at the Opéra-Comique (Salle Favart). The opera was recorded for French radio in 1954, conducted by Eugène Bigot, with Raymond Malvasio, Martha Angelici, Claudine Collart, Jacqueline Brumaire, Louis Noguéra and Lucien Lovano in the cast.

Soltan studierte Komposition bei Anatol Bahatyrou am Konservatorium in Minsk (heute Musikakademie). 1979 schloss er seine Studien ab und war danach bis 1983 als Assistent Bahatyrous tätig. Im Anschluss daran wurde er selbst Lehrer am Konservatorium. Im Jahre 1980 trat er in den sowjetischen Komponistenverband ein. In den folgenden Jahren machte er sich innerhalb Weißrusslands einen Ruf als begabter junger Komponist. Besonders seine Oper "König Stachs wilde Jagd" fand großen Zuspruch. 1990 erhielt er den Staatspreis Weißrusslands. Im Jahre 1997 kam Soltan bei einem Verkehrsunfall ums Leben.

Soltan steht in der Tradition russischer bzw. weißrussischer Kunstmusik. Seine Werke verwenden oft folkloristisches Material oder beziehen sich auf nationale Ereignisse. So ist etwa seine zweite Sinfonie der Minsker Untergrundbewegung zur Zeit der deutschen Besatzung im Zweiten Weltkrieg gewidmet. Soltans Musik basiert auf einer frei gehandhabten erweiterten Tonalität mit charakteristischen stark chromatischen oder modalen Einschlägen. Kennzeichen seiner Werke sind prägnante Rhythmik, melodiöse Linienführung, ein eher gemäßigter Dissonanzgehalt und der Verzicht auf Experimente in Metrum oder Besetzung. Insgesamt ist seine Musik zwar nicht als anachronistisch zu bezeichnen, im Vergleich zu anderen Komponisten seiner Generation ist Soltan indes sehr konservativ

Ruthilde Klösterer wuchs in Mödling auf. Nach ihrer Schulzeit studierte sie Gesang an der Wiener Musikakademie u. a. bei Fritzi Lahr-Goldschmied, Alfred Jerger, und Judith Hellwig. Meisterkurse absolvierte sie bei Helene Wildbrunn und ein intensives Rollenstudium bei dem Mozart-Dirigenten Josef Krips. Von 1945 bis 1971 war die Sopranistin, „deren Hauptbedeutung auf dem Fachgebiet der Koloratursoubrette zu suchen ist“,[2] Ensemblemitglied der Wiener Staatsoper. Dort wirkte sie in insgesamt 387 Auftritten und in 38 verschiedenen Rollen mit. Mit Vorliebe verkörperte die Künstlerin die wichtigsten Partien des Mozart-Fachs: die Königin der Nacht und Papagena (Die Zauberflöte), Susanna (Die Hochzeit des Figaro), Blondchen (Die Entführung aus dem Serail), Despina (Così fan tutte) etc. Hervorzuheben sind noch ihre Rollen der Cloe in Pique Dame, der Olympia in Hoffmanns Erzählungen, der Zerbinetta in Ariadne auf Naxos sowie der Luciete in Die vier Grobiane, um nur einige der vielen zu nennen. 1949 sang sie bei den Salzburger Festspielen unter Wilhelm Furtwängler in der Zauberflöte den zweiten Knaben, im gleichen Jahr bei den Bregenzer Festspielen das Blondchen in Die Entführung aus dem Serail.
Ruthilde Boesch trat auf den meisten großen Bühnen dieser Welt auf. Zahlreiche Konzerte und Gastspiele führten sie u.a. durch Europa, in die USA, in den Nahen Osten, nach Australien, Süd- und Nordamerika sowie Japan (wo sie eine zeitlang lebte), begleitet von ihrem zweiten Ehemann, dem Staatsoperndirigenten Prof. Wilhelm Loibner. Mit ihm zusammen machte sie fünf Welttourneen.
1968 wurde sie zur österreichischen Kammersängerin ernannt.
Nach Beendigung ihrer aktiven Karriere widmete sich die Sängerin, deren Liebe auch der Operette galt, der Lehrtätigkeit. Als Gesangspädagogin hat sie Geschichte geschrieben. Zu ihren Schülern zählten Edita Gruberová sowie Edith Mathis, Eva Lind, Genia Kühmeier, Theresia Aranowski, Marika Lichter, Sewan Salmasi, Ute Ziemer, Arno Raunig, Sandra Schwarzhaupt, Katerina Sokolová-Rauer, ihr Sohn Christian Boesch und ihr Enkelsohn Florian Boesch.
Aus ihrer Ehe mit A. E. Boesch hatte Ruthilde Boesch die Söhne Wolfgang Boesch (* 1939, Schriftsteller) und Christian Boesch.
Sie ist in Wien am Grinzinger Friedhof begraben (Gruppe 6, Reihe 4, Nr. 4).

Mit acht Jahren begann er Cello zu spielen und nahm zunächst an der Städtischen Musikschule und später am Konservatorium von Riga Unterricht. Sein Bruder Waleri spielte Klavier und seine Schwester Violine. 1962 wechselte der 14-Jährige an das Konservatorium Leningrad. Ein Jahr darauf wurde Maisky am Moskauer Konservatorium in die Meisterklasse von Mstislaw Rostropowitsch aufgenommen. 1966 gewann er beim internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau den sechsten Preis. 1970 wurde Maisky zu zwei Jahren Arbeitslager verurteilt, vermutlich weil seine Schwester im Jahr zuvor nach Israel ausgewandert war. Ein befreundeter Arzt überwies ihn in eine Nervenheilanstalt, da dies für ihn die einzige Möglichkeit war, nach seiner Haft der Armee zu entkommen.
Dank eines Freikaufs durch einen US-amerikanischen Gönner emigrierte er im Winter 1972 ebenfalls nach Israel und verlegte dann seinen Wohnsitz nach Brüssel. 1973 gewann er die Gaspar Cassadó International Cello Competition in Florenz. Im gleichen Jahr gab er sein Debüt in der Carnegie Hall mit dem Pittsburgh Symphony Orchestra unter der Leitung von William Steinberg. Nach dem Konzert wurde er von einem Bewunderer angesprochen, der ihm ein Montagnana-Cello aus dem Jahre 1720 zeigte und zu einem Spottpreis zum Kauf anbot. Das Cello wurde zuerst von einer Stiftung erworben, später konnte Maisky es mit Hilfe eines Bankkredits übernehmen. Auf Vermittlung von Rostropowitsch wurde Maisky 1974 Meisterschüler von Gregor Piatigorsky. Vier Monate lang spielte und redete er fast jeden Tag mit Piatigorsky, während dies bei Rostropovich nur zwischen dessen Tourneeauftritten möglich war. Er ist damit der einzige Cellist, der bei Rostropovich und bei Piatigorsky Unterricht genommen hat.
1976 trat er in London auf. 1982 begann die Zusammenarbeit mit der Deutschen Grammophon. Die erste Aufnahme war das Doppelkonzert für Cello und Geige von Brahms, das er mit Gidon Kremer und den Wiener Philharmonikern unter Leonard Bernsteins Leitung einspielte. Es folgte 1985 eine Aufnahme von Bachs Cellosuiten. 1992 trat er zum ersten Mal bei den Londoner Proms auf, 1993 mit Martha Argerich bei den Salzburger Festspielen. Mischa Maisky zählt zu den führenden Cellisten der Gegenwart und ist auf den großen internationalen Konzertbühnen zu Hause. Seine bevorzugten kammermusikalischen Partner sind Martha Argerich, Radu Lupu und Malcolm Frager. Maiskys Repertoire umfasst die gesamte Cello-Literatur mit Ausnahme der Moderne.

Pasero erhielt seine Ausbildung bei Arturo Pessina und debütierte 1917 in als Ramphis in Aida, 1918 sang er den Rodolfo in La sonnambula. 1926 debütierte er als König Philip in Don Carlo unter Arturo Toscanini an der Mailänder Scala, für die er in seiner Karriere insgesamt 435 Vorstellungen gab. Es folgten als weitere Debüts 1929 die Metropolitan Opera, 1931 die Londoner Covent Garden Opera und 1935 die Pariser Oper. Weitere Rollen Paseros waren unter anderem Don Basilio (Der Barbier von Sevilla), Lothario (Mignon), Méphistophélès (Gounod), Fiesco (Simon Boccanegra), Walter (Luisa Miller), Ferrando (Il trovatore), Alvise (La Gioconda), Escamillio (Carmen), Sarastro (Die Zauberflöte), Assur (Semiramide) oder die Titelpartien in Boris Godunov und Mefistofele; als Wagner-Rollen unter anderem Marke (Tristan und Isolde) und Gurnemanz (Parsifal). 1951 zog sich Pasero im Alter von 58 Jahren von der Bühne zurück und war anschließend noch als Gesangslehrer tätig.
Jürgen Kesting hält Pasero für einen "zentralen Sänger": Seine Stimme „war reich und voll, vibrierend intensiv und ungewöhnlich umfangreich. Pasero konnte sowohl Sarastro als auch Escamillio singen, weil sein Umfang vom tiefen E bis zu einem mühelosen Fis reichte.“ Jens Malte Fischer fällt ein differenziertes Urteil über Pasero: „Im Vergleich zu de Angelis muss man jedoch auch konstatieren, dass Paseros Singen, wenn man sich einmal an den Reichtum des vokalen Stromes gewöhnt hat, auf die Dauer einförmig und monochrom wirkt, es fehlt ihm an Charakterisierungskunst und Differenzierungswillen, um seinen Rollenportraits die letzte Schärfe der Kontur zu verleihen, stimmliche Fülle und wohltuende Linienführung hingegen reihen ihn unter die ganz großen Bassisten ein.“